tag:blogger.com,1999:blog-62256143962523118632024-02-26T09:25:21.650+01:00Respirando Cine Soy el compañero de las noches perdidas... El amante apasionado y el infiel... El aventurero sin rumbo que descubre el Mundo... El viajero en el tiempo que te lleva al pasado y te muestra el futuro... El mago que convierte en realidad tus sueños... Soy la Luz en la sombra que proyecta la vida... Soy El Cine...Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.comBlogger91125tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-32674676199880702732019-06-30T13:33:00.001+02:002019-06-30T13:33:48.536+02:00FILMOTECA CLÁSICA... "Las campanas de Santa María" (1945) Leo Mc Carey<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ9DP5zgEK1co6csRjZexOk1KdlHTlY6812oH5XtedMx2vCj8lphspRze2mgO9QejAgr2B9o_LB475lovAnHJHpuWc62PxgWiEU1k3SXwiozdr0syyFUJH1yS7ThwrUdI1SaH_JMGRAimf/s1600/descarga.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="272" data-original-width="185" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ9DP5zgEK1co6csRjZexOk1KdlHTlY6812oH5XtedMx2vCj8lphspRze2mgO9QejAgr2B9o_LB475lovAnHJHpuWc62PxgWiEU1k3SXwiozdr0syyFUJH1yS7ThwrUdI1SaH_JMGRAimf/s400/descarga.jpg" width="271" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El enorme éxito, Oscar a la mejor película incluído, de “Siguiendo mi camino” (1944) dirigida al igual que la cinta que nos ocupa por Leo McCarey, trajo como secuela este delicioso melodrama lleno de buenas intenciones y espíritu religioso. El cantante Bing Crosby repite su personaje del moderno y comprensivo Padre O´Malley, en esta ocasión al frente de un colegio de monjas dirigido por la recta aunque humana Superiora encarnada por una magnífica Ingrid Bergman, cuya naturalidad y talento se hacen limpiamente con la película. Ambos actores habían obtenido el año anterior el Oscar a la mejor interpretación, él por el filme citado y ella por el papel de esposa atormentada por un malvado Charles Boyer en “Luz de gas”, lo que les había situado en un lugar de privilegio dentro de la industria de Hollywood, circunstancia que no pasó inadvertida para la Paramount que buscaba al juntarlos garantizar una buena acogida entre el público. No se equivocaron ya que el filme obtuvo si cabe aún más éxito que su predecesora recaudando más de 8 millones de dólares de la época, no andándole tampoco a la zaga en calidad, como corresponde al talento cinematográfico de Leo Mc Carey, uno de los realizadores imprescindibles de la época dorada.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Cuenta la previsible aunque eficaz historia del padre O´Malley, que en esta ocasión es enviado a un colegio de monjas con la esperanza de que consiga con su voz y carácter levantar la dañada economía de la escuela. Sus métodos chocan inicialmente con la rigidez de la Madre Benedicta, superiora del convento y directora de la institución, pero pronto unen sus esfuerzos en pro de salvar la escuela frente a la falta de escrúpulos de un empresario que pretende demoler el edificio para edificar en su solar. Todo ello salpicado con diferentes canciones de indudable gancho popular y piadosa finalidad que la han convertido en uno de los clásicos a programar durante las fiestas navideñas.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Aunque pueda parecer que inicialmente nos encontramos ante un filme sensiblero y falto de interés, no hay nada más lejos de la realidad. Aunque la película camina abiertamente por los senderos del cine religioso convencional, la sabiduría con que Mc Carey lleva el pulso de la cinta es extraordinaria, midiendo las dosis de humor y drama con tal acierto que logra mantener el equilibrio durante todo su metraje, sin derivar a los peligrosos caminos del melodrama edulcorado en el que caerían otros títulos del género. En muchos aspectos se puede considerar superior a su antecesora aunque básicamente respeta su línea ideológica y argumental, creando situaciones de lucimiento para Bing Crosby como cantante ya que era uno de los favoritos del público americano, representante en muchos sentidos de su espíritu nacional.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Sin duda alguna una parte importante del éxito de la cinta y de su resultado final se debe también al talento de la pareja protagonista. Ambos están magníficos en sus respectivos papeles, logrando que la historia avance con naturalidad y eficacia, lo que hizo que fuesen nominados ese año nuevamente en las categorías de mejor actor y mejor actriz principal, aunque ninguno de ellos se alzase en esta ocasión con la codiciada estatuilla. Crosby se había mimetizado estupendamente como actor en la sotana del Padre O´Malley, un sacerdote bondadoso y con inquietudes sociales en la línea del interpretado por Spencer Tracy en "Forja de hombres" (1938) o "La ciudad de los muchachos" (1941). Respecto a Ingrid Bergman se encontraba en ese momento en el cenit de su carrera en Hollywood, era de una de las estrellas favoritas del público, capaz de abordar registros muy diferentes como demuestran sus interpretaciones a las órdenes de Alfred Hitchcock que haría de ella una de sus actrices fetiche en aquel tiempo. Curiosamente cuatro años más tarde de representar el espíritu católico en la piel de la Hermana Benedicta en esta película, sería condenada y vilipendiada por las ligas de decencia norteamericanas, que llegaron incluso a pedir su excomunión a causa de su adúltera relación con el director italiano Rossellini por quién abandonó a su esposo e hija, arrojándose en brazos de una apasionada historia de amor que estuvo a punto de terminar con su carrera.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Contrariamente a las previsiones, la película resultó una de las grandes perdedoras en la ceremonia de los Oscars de aquel año, obteniendo solo la estatuilla correspondiente al Mejor Sonido cuando había sido nominada a Mejor Película, Director, Actriz Principal, Actor Principal, Canción, Banda Sonora en filme dramático y Montaje. No obstante se resarció con un monumental éxito de taquilla como ya se ha comentado. Hoy se la sigue viendo fresca, como una muestra del mejor cine de la época clásica, gracias al inteligente guión y el trabajo de Mc Carey, que convirtió un filme de encargo en una hermosa película que transmite un agradable optimismo y alegría y de cuyas fuentes beben, tanto en su planteamiento como en su desarrollo algunos títulos modernos de gran éxito como las dos entregas de "Sister Act" protagonizadas por la incombustible y singular Whoopi Goldberg.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-49791081367651163982019-06-19T02:20:00.005+02:002019-06-19T02:27:02.950+02:00FILMOTECA CLÁSICA... "El Fantasma de la Ópera" (1943) Arthur Lubin<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7_jhrNoJxyJh-uNMFEyWuXVqsDwhkrveYyp3-aGo7mMWsT-CpS0rOYfK0GRfv0iWwbNO61UOi42FGgbHZMtHx5yI8PRBajcQTD0VXm9mAePRkObR4_6fRNC9lOJcZnFAllq_EiF9WOhh9/s1600/phantom-of-the-opera-nelson-eddy-susanna-foster-claude-rains-1943_a-G-9924957-9201948.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="473" data-original-width="473" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7_jhrNoJxyJh-uNMFEyWuXVqsDwhkrveYyp3-aGo7mMWsT-CpS0rOYfK0GRfv0iWwbNO61UOi42FGgbHZMtHx5yI8PRBajcQTD0VXm9mAePRkObR4_6fRNC9lOJcZnFAllq_EiF9WOhh9/s400/phantom-of-the-opera-nelson-eddy-susanna-foster-claude-rains-1943_a-G-9924957-9201948.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Esta segunda versión de la célebre novela del francés Gastón Leroux constituye una obra menor del glorioso ciclo de terror que la Universal produjo durante los años 30 y 40, en el que vieron la luz tantas y tan magníficas joyas como "Frankenstein" (1931), "Drácula" (1931), "La momia" (1932) o "La novia de Frankenstein" (1935). Tanto la elección del trío protagonista, como el empleo de un espléndido Technicolor restan fuerza y personalidad al resultado final, siendo empleados más como reclamo comercial que como elementos propios del género, dando más la sensación de estar asistiendo a una de las operetas de Jeanette McDonald y Nelson Eddy que a una obra cercana al terror clásico. </span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La primera versión fue estrenada con enorme éxito en 1925 contando con el escalofriante Lon Chaney como protagonista que hizo una terrorífica composición del personaje mucho más cercana a la obra original que la efectuada por Claude Rains en esta nueva versión, quién no fue la única opción para el papel ya que se estuvieron barajando entre otros los nombres de Boris Karloff, mucho más apropiado a juzgar por sus anteriores trabajos, y Charles Laugthon que ya había realizado una inolvidable interpretación de otro personaje similar, el Quasimodo de "El jorobado de Nuestra Señora" (1939), heredado igualmente de Lon Chaney quien lo interpretaría en la película muda de 1923. El maquillaje de Chaney causó sensación en su momento, creando un fantasma calavérico , sin nariz, calvo y de ojos enloquecidos, auténtica máscara del horror y la degradación provocadas por el rechazo y la soledad. Por contra el personaje encarnado por Rains está en las antípodas de este monstruo horripilante, siendo uno de los principales lastres de la cinta. Aunque la culpa no es tanto de la interpretación del actor británico como de un mal construido guión que camina en tierra de nadie, mostrando al músico como un personaje bondadoso, del que abusan todos cuantos le rodean y que se ve forzado por las circunstancias a vivir desfigurado y solo en las catacumbas de la Opera parisina, lo que produce en el público más una sensación de compasión y simpatía, que de horror frente al hombre desequilibrado que llega al crimen con tal de llevar a cabo su obsesiva y enfermiza adoración por la protagonista. De hecho durante algún tiempo los guionistas se plantearon hacer del fantasma, el padre de Christine Daaé la hermosa soprano de la que el protagonista quiere hacer una gran figura de la Opera de París. Esta idea fue desechada finalmente ya que era inviable desarrollar el halo romántico entre "la bella y la bestia" sin rozar la idea del incesto. Tal vez por estos forzados giros del guión la química entre los personajes es cuando menos escasa. Hubo también un primer acercamiento al proyecto en 1935 que planteaba la hipótesis de situar la historia en el París contemporáneo mostrando al fantasma como un herido mental de la primera guerra mundial, aunque finalmente esta idea fue desechada por la narración clásica. </span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Aún así el talento de Claude Rains es lo más destacable en el reparto de una cinta en la que el resto de los componentes poco o nada aportan a los gloriosos días del terror de la productora, conduciendo la película más hacia el terrero del vodevil, como la absurdamente cómica relación que se establece entre los dos galanes del film, el barítono Nelson Eddy como el cantante Anatole Garrone y Edgar Barrier como el comisario Raoul, este último sustituyendo al Vizconde de Chagny héroe de la obra de Leroux. Lo mismo puede decirse de la grotesca interpretación que la actriz Jane Farrar realiza de la Carlotta, la egocéntrica "prima donna" de la Ópera de París destinada a sufrir las iras del fantasma por su animadversión hacia la joven Christine corista de excelentes dotes e interés sentimental del trío masculino, interpretada por la soprano Susanna Foster. </span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La película es pues una versión muy libre de la obra de Gastón Leroux, en la que se alteraron personajes e historia con el fin de explotar más la línea romántica de la historia y mostrar todo el esplendor de la Opera en espectaculares dioramas filmados a todo color. Con todo es tanto el extraordinario uso del Technicolor (premiado con un Oscar), como la parte musical lo que finalmente resulta más interesante de la película. A tal fin se contrató al célebre Nelson Eddy, un magnífico barítono rey por entonces de la opereta cinematográfica gracias a su asociación con Jeannete McDonald, el ruiseñor de la Metro y a la hermosa Susanna Foster otra soprano de excelentes condiciones al igual que McDonald aunque con una carrera mucho más corta e interesante que esta última. Ambos alimentaron con sus voces la parte musical de la historia, que contiene un nutrido número de arias, dúos y concertantes líricos.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Aunque se usaron en el rodaje los mismos decorados del filme de 1925, el guión prescindió de escenas fundamentales en el desarrollo de la historia que sí estaban presentes en la anterior versión, como la referente al baile de máscaras en la que el fantasma realiza una aterradora aparición en público en mitad del carnaval, aunque mantuvo otras tan célebres como la caída de la lámpara de araña sobre el público que acude a la representación o aquella en que Christine es arrastrada a las cloacas de la Opera por el fantasma arrancando la máscara del rostro del misterioso personaje, momento cumbre en el suspense de la narración, que sin embargo queda mucho más descafeinado que en otras versiones del mismo asunto en las que resulta mucho más aterrador.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0svLhP09id8AVzf5UCIh8Zy5jptZby_HSAFffWerNohLF8m_RieyLeLUuPkWqWn7LLNsprmpoGBZIeTCAmr89o_Yc_pJIJNQrpP4FkxnjClcXXvvOOjYkJmWBelZWF_rMZMIO4qeeWtw4/s1600/el+fantasma+de+la+opera+17.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="643" data-original-width="842" height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0svLhP09id8AVzf5UCIh8Zy5jptZby_HSAFffWerNohLF8m_RieyLeLUuPkWqWn7LLNsprmpoGBZIeTCAmr89o_Yc_pJIJNQrpP4FkxnjClcXXvvOOjYkJmWBelZWF_rMZMIO4qeeWtw4/s400/el+fantasma+de+la+opera+17.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Finalmente este "Fantasma" se muestra como una película de bonita factura pero desprovista del misterio y la fuerza con el que la historia sería tratada en otras ocasiones. A pesar de ello el filme contó con una importante repercusión o</span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">bteniendo cuatro nominaciones a los premios Oscar de 1943 en las categorías de Mejor Sonido, Mejor Banda Sonora, Mejor Dirección Artística y Mejor Fotografía en Color, alzándose como ganadora en estas dos últimas, convirtiéndose en la única película de terror de los estudios Universal que obtendría la codiciada estatuilla. </span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Como parte de la promoción de la cinta el mismo año de su estreno se llevó a cabo una versión radiofónica en el célebre Lux Radio Theater producida por Cecil B. Demille, con el mismo reparto protagonista de la película a excepción del Fantasma que aquí sería interpretado por Basil Rathbone. </span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAJWocnqnb8L3SMlm-j3oTHp6InWYKn4ty8qcl63OpsMJRxFKzqWIAe4OUlBFTigqbpAb4wi5fCcgAopR10Q_diBtCUZOFnnKaJaSI4GSkfk4ZrKxu0j2cvO_1-BL3m88qdRtV1ss4-vdS/s1600/m.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="643" data-original-width="841" height="305" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAJWocnqnb8L3SMlm-j3oTHp6InWYKn4ty8qcl63OpsMJRxFKzqWIAe4OUlBFTigqbpAb4wi5fCcgAopR10Q_diBtCUZOFnnKaJaSI4GSkfk4ZrKxu0j2cvO_1-BL3m88qdRtV1ss4-vdS/s400/m.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El éxito de la película traería una especie de pseudo secuela de similar argumento y ambientación titulada "Misterio en la Ópera" (The Climax) (1944) en la que repetía parte del equipo artístico en papeles similares. El villano de la historia sería el inquietante Boris Karloff, uno de los candidatos a interpretar "El Fantasma", en este caso un médico enloquecido por la muerte de su esposa, célebre cantante de Opera, que busca devolver la vida a su mujer en la voz de otra hermosa soprano interpretada de nuevo por Susanna Foster.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdVZCUTDDkbCb8xDR35hCRx4IpA5W1xSJpP8E2d42hWaTgomyudgwbZP4IaWx7v7Fvb_ivRaMHpurZpT0BH45DnfKZnZszJCf75fczTTmhdw_OPEfq6kP79BENfHTCfBzQdvGeQlyG4Wyu/s1600/Misterio_en_la_pera-886952614-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="385" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdVZCUTDDkbCb8xDR35hCRx4IpA5W1xSJpP8E2d42hWaTgomyudgwbZP4IaWx7v7Fvb_ivRaMHpurZpT0BH45DnfKZnZszJCf75fczTTmhdw_OPEfq6kP79BENfHTCfBzQdvGeQlyG4Wyu/s400/Misterio_en_la_pera-886952614-large.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La historia original se ha asomado a la pantalla en múltiples ocasiones a lo largo de las diferentes décadas desde entonces, algunas tan interesantes como la versión rock "El fantasma del Paraíso" (1974) dirigida por Brian de Palma o la esperada adaptación del legendario musical de Broadway compuesto por Andrew Lloyd Webber, llevado al cine en el año 2004 de la mano de Joel Schumacher</span><span style="color: #545454; font-family: "arial" , sans-serif; font-size: x-small;"><span style="background-color: white;">. </span></span><br />
<span style="color: #545454; font-family: "arial" , sans-serif; font-size: x-small;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlQZWSMpfSThPlrj7EowthxxE5DL_8W7snAuWxmntZ7R8M_weREUd6aO8a_fSW2K9DOsOt_jKrUbszNFjUsg9lJj4BuCW59ST8e4o6bfNuOjIUFx4yFullbsqDzu923ydZaErqr4nA8SND/s1600/resizer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="348" data-original-width="620" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlQZWSMpfSThPlrj7EowthxxE5DL_8W7snAuWxmntZ7R8M_weREUd6aO8a_fSW2K9DOsOt_jKrUbszNFjUsg9lJj4BuCW59ST8e4o6bfNuOjIUFx4yFullbsqDzu923ydZaErqr4nA8SND/s400/resizer.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: #545454; font-family: "arial" , sans-serif; font-size: x-small;"><span style="background-color: white;"><br /></span></span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-85579920526030529882019-05-08T22:45:00.005+02:002019-05-10T00:27:52.254+02:00FILMOTECA CLÁSICA... "IVANHOE" (1952) RICHARD THORPE<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjDTkNkCdu0XlCAOShqeQlTkP_hRPCcfxNwaSLABfipLePmqXm9PtXsWPp7Cg219dUYGoihuZLgMfsOhMbpuH6VwyEhiD7aKtvDfmD_ei1dzcWLnszB5ohGJFPAbRVBP11Pd8tJdFQ-T9w/s1600/ivanhoe-351726666-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="442" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjDTkNkCdu0XlCAOShqeQlTkP_hRPCcfxNwaSLABfipLePmqXm9PtXsWPp7Cg219dUYGoihuZLgMfsOhMbpuH6VwyEhiD7aKtvDfmD_ei1dzcWLnszB5ohGJFPAbRVBP11Pd8tJdFQ-T9w/s640/ivanhoe-351726666-large.jpg" width="470" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">E</span><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">sta adaptación de la conocida novela del escocés Sir Walter Scott fue la primera de las tres aventuras medievales que Robert Taylor rodó para la Metro a principios de los años cincuenta y posiblemente la mejor de ellas, las otras dos serían "Los caballeros del Rey Arturo" (1954) y "Las aventuras de Quintin Duward" (1955). Aprovechando los fondos que la productora tenía congelados en Inglaterra se desplazó gran parte del equipo americano a Europa para rodar en los escenarios naturales donde transcurre la acción original, lo que benefició enormemente al resultado final del filme, consiguiendo una excelente ambientación que da a la película un aire de leyenda medieval</span><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"> que va como anillo al dedo a la historia. </span><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El filme se convirtió en uno de los clásicos del cine de aventuras, dirigido con buen oficio por Richard Thorpe uno de los realizadores más prolíficos del cine americano y responsable de las otras dos incursiones medievales de Taylor en la década y de una de las cintas de aventuras más deliciosas de aquellos años "El prisionero de Zenda" (1952) protagonizada por Stewart Granger el aventurero por antonomasia de los años cincuenta.</span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5ryz262l7xVvuPE34byMjYbaEU-e0sXe-SIPRezGqletiykqc1IZm-_iDy2TbxiJY0MPL_U5Bn4qL8tNxAYG05Dq0XAtkUQW38QPJ6uEKSXYw84NKNYclxY-772SDdiQuXlJxojqHstc7/s1600/Ivanhoe.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="675" data-original-width="1200" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5ryz262l7xVvuPE34byMjYbaEU-e0sXe-SIPRezGqletiykqc1IZm-_iDy2TbxiJY0MPL_U5Bn4qL8tNxAYG05Dq0XAtkUQW38QPJ6uEKSXYw84NKNYclxY-772SDdiQuXlJxojqHstc7/s400/Ivanhoe.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El personaje de la novela es coetáneo de otro de los héroes más famosos de la literatura medieval, Robin Hood, que aparece brevemente en la cinta apoyando la revuelta contra el perverso Príncipe Juan y sus secuaces normandos que esclavizan y exprimen al pueblo sajón aprovechando el cautiverio del legítimo Rey Ricardo. Al igual que Robin, Ivanhoe es un noble sajón que se ve forzado por las circunstancias a compartir su estatus con una clase socialmente inferior al verse desposeído de su posición privilegiada. Lo que provoca un curioso caso de acercamiento entre clases en lucha por un objetivo común, sin tener en cuenta lo que ocurriría al recuperar su poder feudal.</span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyTGHPcCIx98a9XtdFXsfkrCxJFdoFWdlPt2WSyAFN9ckT1q_thNFY8gXtHRvEDDOicsMDQ9G563Lr7BpOoJpLTS66xDP2XigdlsOPrIBnvHdNZbgVpjMtejCgtABQJyByo6HLMWD5uyMU/s1600/u-g-Q1C42QJ0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="550" data-original-width="413" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyTGHPcCIx98a9XtdFXsfkrCxJFdoFWdlPt2WSyAFN9ckT1q_thNFY8gXtHRvEDDOicsMDQ9G563Lr7BpOoJpLTS66xDP2XigdlsOPrIBnvHdNZbgVpjMtejCgtABQJyByo6HLMWD5uyMU/s400/u-g-Q1C42QJ0.jpg" width="300" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Aunque a priori Taylor no parece la elección más adecuada, tanto por edad como por personalidad cinematográfica, lo cierto es que el actor está formidable. La apostura y sobriedad de las que dota al héroe de la historia da al personaje un aire de romanticismo legendario que le ayudaron a granjearse la simpatía del público, consiguiendo en cierta forma revitalizar y prolongar su carrera en un momento complicado en el cual la televisión empezaba a ganar la batalla al cine y los grandes estudios comenzarían a rescindir los contratos a largo plazo con sus estrellas en breve espacio de tiempo. El éxito de la cinta permitió a su protagonista rodar los siguientes títulos mencionados en los que en cierta forma repetiría con pocas variaciones pero igual acierto el cliché desempeñado en esta película. </span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi69mm_Pyw1IVy5dXtgV0_629HS4H0eBZwFNyhTPac_kjLbhKXEp46_DsA5x2sm5U2hmU87FRhrQ7DQskhy0S0hsb3OrH1jHrl2bdDvPUDKNYxrCbZ2Mjda_AF-i-0UsfBniLVoN9cnXLw/s1600/las+mujeres.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="525" data-original-width="700" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi69mm_Pyw1IVy5dXtgV0_629HS4H0eBZwFNyhTPac_kjLbhKXEp46_DsA5x2sm5U2hmU87FRhrQ7DQskhy0S0hsb3OrH1jHrl2bdDvPUDKNYxrCbZ2Mjda_AF-i-0UsfBniLVoN9cnXLw/s400/las+mujeres.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Acompañando al héroe titular se encuentran dos grandes damas del Hollywood dorado. De un lado una jovencísima y hermosa a más no poder Elizabeth Taylor como la judía Rebeca y del otro la madurita Joan Fontaine demasiado distante en el papel de la princesa Rowena, amada de Ivanhoe, que pierde la batalla ante la insultante belleza de la Taylor. Aunque el magnetismo con la cámara de Elizabeth es indiscutible, la interpretación de la actriz británica es totalmente insulsa e irrelevante, quedando como un elemento meramente decorativo. Sorprende que la intérprete de "Un lugar en el sol" rodada un año antes y en la que estaba formidable, se muestre tan ineficaz en esta ocasión. Al parecer el estudio le obligó a aceptar un papel que ella odió desde el primer momento, lo cual seguramente resintiera el resultado final. A pesar de su resistencia inicial la actriz encontraría el amor durante su estancia inglesa en la persona del actor británico Michael Wilding, veinte años mayor que ella, que se convertiría en su segundo marido. </span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP5ab9c1W8rWSFH_GQEpWzlcvmvsGD7iJoxvd1cT8aD5RAPWu6gC9pC_rk_zMINlpqs-H-OX4Px-mRNbgZuQ5uCwYUwtdinoKCtUWNado1FOzBe6JB0ZFncLOIlemyyDTXyCXhABzCzEC6/s1600/39834963355_446c8fa4b7_z.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="536" data-original-width="536" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP5ab9c1W8rWSFH_GQEpWzlcvmvsGD7iJoxvd1cT8aD5RAPWu6gC9pC_rk_zMINlpqs-H-OX4Px-mRNbgZuQ5uCwYUwtdinoKCtUWNado1FOzBe6JB0ZFncLOIlemyyDTXyCXhABzCzEC6/s320/39834963355_446c8fa4b7_z.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">George Sanders sería el villano de la historia, con aquel cinismo que le hizo famoso y que hará del malvado Bois Gilbert uno de los personajes más interesantes de la historia. El resto del reparto estaba compuesto por actores ingleses y algunos de los secundarios más eficaces de la escudería de la Metro, varios de ellos repetirían en las otras películas medievales anteriormente mencionadas.</span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpN-Sap7RJLOuQlaCirhSJfOXpXt6TbbtQzgNNUwMsF_aagTd62aSt_2dQsdy5d8JzbKstJkygAPbswvDw2gj40j18jX4NkDFpcLwEakRHu3frIkITgeEysYQkLydefQGp60JcsWDsmrZ7/s1600/maxresdefault.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpN-Sap7RJLOuQlaCirhSJfOXpXt6TbbtQzgNNUwMsF_aagTd62aSt_2dQsdy5d8JzbKstJkygAPbswvDw2gj40j18jX4NkDFpcLwEakRHu3frIkITgeEysYQkLydefQGp60JcsWDsmrZ7/s400/maxresdefault.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El filme cuenta con una factura irreprochable con todo el esplendor y lujo que solo la Metro Goldwyn Mayer solía ofrecer en aquellos años, las escenas de los torneos medievales y el asalto al castillo se convertirían en modélicas en su género y serían repetidos en otros tantos filmes de capa y espada a lo largo de décadas. Una película que haría soñar a generaciones enteras de escolares que soñaban con convertirse en el espadachín sajón en lucha contra la injusticia del príncipe Juan sin Tierra para restituir al legítimo Rey Ricardo Corazón de León en el trono de Inglaterra. A pesar de su formidable acogida sería una de las grandes perdedoras en la ceremonia de los Oscar de 1952 al no obtener ni una sola estatuilla, a pesar de haber sido nominada en las categorías de mejor película, fotografía en color y banda sonora. Aunque el filme se resarciría en taquilla recaudando cerca de 7.000.000 de dólares.</span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_P30ZR2899l9Q93_WxRKvAr6A9XWhmMU7kLehfTrU3hIr_2QUKs_q71OQ7GO7S6J_vLwDQwtEbMQk0hVMGQBE6e_-9FEgAUR_CPPKKQtN0n_5TfKU9BBq0qlxscpSQbkhOyO3VazY115g/s1600/Ivanhoe-1952.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="349" data-original-width="620" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_P30ZR2899l9Q93_WxRKvAr6A9XWhmMU7kLehfTrU3hIr_2QUKs_q71OQ7GO7S6J_vLwDQwtEbMQk0hVMGQBE6e_-9FEgAUR_CPPKKQtN0n_5TfKU9BBq0qlxscpSQbkhOyO3VazY115g/s400/Ivanhoe-1952.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /><br /> </span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-23370672216509668172019-04-04T09:50:00.001+02:002019-04-04T09:50:05.841+02:00FILMOTECA CLÁSICA... "GILDA" (1946) CHARLES VIDOR<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglsjw8ZOiXKDJ0rdYVBWrKXAaqQekMIB1SzHsbNsusO8gH8NXl3pJo00Ca5ofccAYGIqD13X9RBEcIMB5s1GOh48aW1423w0-bYpkv7uuE5BA64lksSij28AtJVleWyJFu9k07UmUuMA_W/s1600/cartel_gilda_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="465" data-original-width="300" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglsjw8ZOiXKDJ0rdYVBWrKXAaqQekMIB1SzHsbNsusO8gH8NXl3pJo00Ca5ofccAYGIqD13X9RBEcIMB5s1GOh48aW1423w0-bYpkv7uuE5BA64lksSij28AtJVleWyJFu9k07UmUuMA_W/s640/cartel_gilda_0.jpg" width="412" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: georgia, "times new roman", serif;">Pocas veces a lo largo de la historia a quedado un personaje tan asociado a la actriz que lo da vida como en el caso de "Gilda", de mimetizarse hasta el punto de que este se trague a su intérprete. "Gilda" convirtió a Rita Hayworth no solo en uno de los mitos imprescindibles del cine sino de la cultura popular del siglo XX. Tras este título la actriz quedaría eternamente asociada al personaje, hasta el punto que todos buscarían obsesivamente a partir de entonces en la sensible e insegura Rita a la apasionada hembra que representó en la pantalla, algo que ya nunca lograría separar de su persona lastrando en parte su carrera y su vida personal, se había convertido en la mujer más deseada. La misma actriz relataría en alguna ocasión en alusión a sus fracasos amorosos, todos querían acostarse con Gilda, pero se levantaban conmigo.</span><br />
<span style="font-family: georgia, "times new roman", serif;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFdKVYN_xzh-leg1qooix1oD2QpS-E0wFQQRv45n6lshdY5hSN8306YZ-zATuxluOULOItA-MSZGYIGga7nKsZ9Ch1UGQIrXZoqpb2UDjXmkNkW3IZpMIc2z5IY9pflqxGgnufT9NOmQ4V/s1600/rita1-534x405.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="406" data-original-width="534" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFdKVYN_xzh-leg1qooix1oD2QpS-E0wFQQRv45n6lshdY5hSN8306YZ-zATuxluOULOItA-MSZGYIGga7nKsZ9Ch1UGQIrXZoqpb2UDjXmkNkW3IZpMIc2z5IY9pflqxGgnufT9NOmQ4V/s400/rita1-534x405.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: georgia, "times new roman", serif;"><br /></span>
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<span style="font-family: georgia, "times new roman", serif;">La enorme identificación que Rita logró con el personaje fue sin duda parte fundamental del éxito de la cinta y de su leyenda que arrasó por todo el mundo como un huracán. En la España franquista la película sería piedra de escándalo, muy por encima de su contenido. Aquella imagen de mujer desinhibida y liberada abriría las carnes de censores y eclesiásticos que llegaron a prohibir su proyección o tacharla de "altamente peligrosa", lo que no hizo sino avivar su popularidad entre el público, promocionándose con frases tan sonoras como "Dicen que soy una mujer fatal como fatal es mi sino", "Los hombres en mis manos son barro que cede a la presión de mis dedos", "Soy libre y hago lo que quiero cuando quiero" o la celebérrima "Nunca hubo una mujer como Gilda".</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDtUoWaeaUrWSNhZsbWgkmybzNMPPDxihcNnZPYyAV6Rw51uAmJP405cXSy3Z1zD4AsDRxlkfhoSdxgxz-SQhTYIoRtsApA_XwB9TvPnEgJvIIJjiSZj2TmGcxmFJr6G4fMIfqJ97fM6XZ/s1600/49086618.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="660" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDtUoWaeaUrWSNhZsbWgkmybzNMPPDxihcNnZPYyAV6Rw51uAmJP405cXSy3Z1zD4AsDRxlkfhoSdxgxz-SQhTYIoRtsApA_XwB9TvPnEgJvIIJjiSZj2TmGcxmFJr6G4fMIfqJ97fM6XZ/s400/49086618.jpg" width="330" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A pesar de tanta tinta al argumento de la película no tiene un planteamiento tan escabroso. Aunque la carga erótica del personaje es indudable, lo cierto es que la frivolidad de Gilda se ve continuamente castigada y no es sino la máscara de una mujer frágil que busca redimirse a través el amor. Sea como fuere la fuerza de sus imágenes la han convertido en un icono del cine, grabando en la retina del espectador el inolvidable conato de streptease de Rita deshaciéndose lentamente de un interminable guante de satén negro a los acordes de "Put the blame o Mame" ("Échale la culpa a Mame") o la solemne bofetada que le propina un indignado Glenn Ford por frescachona.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzNvJ7slZ6gBEVwlVxFx88_EsRJbDW9iEDb3qJUa0r5Efcl2w2mXuwZ7hLWQWvvZyKPtZwiHbNY-tQ23uBxlUWxVWeEmlAezSe8uNssGKXffGxdp-hLVOCaTN3k6wcSNVYjxOTX7IoSao5/s1600/La-Bofetada-DeGilda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="813" data-original-width="1087" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzNvJ7slZ6gBEVwlVxFx88_EsRJbDW9iEDb3qJUa0r5Efcl2w2mXuwZ7hLWQWvvZyKPtZwiHbNY-tQ23uBxlUWxVWeEmlAezSe8uNssGKXffGxdp-hLVOCaTN3k6wcSNVYjxOTX7IoSao5/s400/La-Bofetada-DeGilda.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: georgia, "times new roman", serif;">Glenn y Rita quedarían desde entonces asociados en la memoria popular a tal punto que llegarían a repetir en dos títulos más "Los amores de Carmen" (1948) de nuevo a las órdenes de Vidor y "La dama de Trinidad" (1952) donde recrearían de nuevo la escena de la bofetada con menor impacto y fortuna. Ford nunca sería un actor con demasiada personalidad, aunque en "Gilda" esté perfecto como el atormentado Johnny Farrell odiando y amando a la protagonista a partes iguales por no sabemos que turbio asunto que les separó en el pasado marcando para siempre su relación. Este uso dramático de lo que se intuye y no se cuenta es uno de los mayores aciertos de un extraordinario guión que no para de abrir incógnitas que nunca terminan de cerrarse del todo. Como la extraña amistad que une a Johnny con el marido de la protagonista, un personaje siniestro y ambiguo que ha abierto una segunda lectura entre líneas sobre la oculta relación entre los dos hombres y el papel que Gilda juega en la vida de estos.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ZP2iIT1RNclsAPceOHYl2zmjsgCZ_yKtznV86EfbrKa_jLIxUcUj5TX3pFaEQArKEQH-DZKT0tY561paD5gMSMamzdhpFlbpo9anQwXDZPiW7giJIe-rEgHDHrVEPKwO_iJaJLOfxO2U/s1600/1455384502_743952_1455385451_noticia_normal.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="615" data-original-width="770" height="255" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4ZP2iIT1RNclsAPceOHYl2zmjsgCZ_yKtznV86EfbrKa_jLIxUcUj5TX3pFaEQArKEQH-DZKT0tY561paD5gMSMamzdhpFlbpo9anQwXDZPiW7giJIe-rEgHDHrVEPKwO_iJaJLOfxO2U/s320/1455384502_743952_1455385451_noticia_normal.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Con todos estos elementos "Gilda" se alzaría como uno de los mayores exponentes del cine negro americano y de sus heroínas manipuladoras, haciendo uso directo de su erotismo que las coloca por encima de los hombres que pretenden dominarlas, por más que en el personaje de Gilda no haya un ápice de maldad más allá de su frustración por conseguir al hombre que ama, jugando con él a un peligroso juego que no hace sino abrir más sus heridas aunque ella se empeñe en taparlas con satén y alcohol. Comentario aparte merecen los dos números musicales de la película convertidos en clásicos gracias a la inolvidable interpretación de Rita Hayworth, sin importar en lo más mínimo que la actriz fuese doblada por la cantante Anita Ellis. Su innato talento para el baile y la sensualidad que emana por todo su cuerpo en la puesta en escena de "Amado mío" y la citada "Put the blame o Mame" convierte sendos números en inmortales.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvZEXrR2aYtaCLUkSYj64ID2bCRuCUfvSvFwcQohrKVdATsbmCQKknZsEQk6Lrm4aWErVyQtNZjNW1V19Fu6_2O5QTaT6XW3ZIcP5ra-4sq4WmHUBhaUVwe7NLPAPSttfpJHUDSJhyphenhyphendClI/s1600/4795683.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvZEXrR2aYtaCLUkSYj64ID2bCRuCUfvSvFwcQohrKVdATsbmCQKknZsEQk6Lrm4aWErVyQtNZjNW1V19Fu6_2O5QTaT6XW3ZIcP5ra-4sq4WmHUBhaUVwe7NLPAPSttfpJHUDSJhyphenhyphendClI/s400/4795683.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La miopía de Hollywood pasaría por alto el filme de Vidor en la ceremonia de entrega de los Oscars de aquel año al no otorgarle ni una sola dominación. La crítica Europea supo ver mejor que la americana las bondades de la obra al otorgarle la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cannes. No obstante la película se desquitaría convirtiéndose en una de las más famosas e influyentes del Séptimo Arte, recordada por encima de cualquier otra galardonada en aquel 1946, entrando tanto ella como su protagonista en Olimpo de los inmortales.</span></div>
Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-36545520990038008512019-03-28T16:41:00.001+01:002019-03-28T16:41:55.340+01:00Mis estrellas favoritas... June Allyson<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzv7Zt8HlqiPy5xCR_c1wJpFLjqnPwNh0B93AIkVOBNh4Hq-zAItkASOL3Zn_BBYqMQEg4IEcAL4-STOYVjIADqx9CwdkMRmNhjmqNKYUzz6kc6vE_G2Zn4Eqro8z3HOa1yRNY37TNf3h_/s1600/June_Allyson-1a1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="577" data-original-width="430" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzv7Zt8HlqiPy5xCR_c1wJpFLjqnPwNh0B93AIkVOBNh4Hq-zAItkASOL3Zn_BBYqMQEg4IEcAL4-STOYVjIADqx9CwdkMRmNhjmqNKYUzz6kc6vE_G2Zn4Eqro8z3HOa1yRNY37TNf3h_/s640/June_Allyson-1a1.jpg" width="473" /></a></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Su rostro risueño y sempiterno optimismo hicieron de ella una de las favoritas del público americano durante dos décadas. Su dinamismo e romanticismo inocente fueron la respuesta al fatalismo de las heroínas del cine negro, ambiguas y pecadoras, nacidas al socaire del pesimismo de la Segunda Guerra Mundial. Las llamadas “vecinitas de enfrente” (girl next door) del cine americano, eran la representación de una juventud americana sana y esperanzada, muchachas resueltas, románticas y acordes a la moral conservadora imperante… Amigas diligentes, novias ideales, encantadoras esposas y perfectas madres. June fue un poco de todo esto a lo largo y ancho de su carrera y sin duda alguna una de las más populares. Su primer éxito llegaría de la mano del melodrama “Al compás del corazón” (1944) una historia de mujeres que esperan a sus hombres en retaguardia mientras estos luchan por derrocar la amenaza nazi. No obstante sería tras la contienda mundial cuando su personaje, mezcla de carácter risueño y resuelto a partes iguales, haría furor en una serie de comedias y musicales donde su sonriente dinamismo y bonita voz hacían de ella la compañera ideal de prometedores galancitos como Peter Lawford o Van Johson en títulos como “The sailor takes a wife” (1945), “Good news” (1948) ,“Words and music” (1948) o “Too Young to kiss” (1951).</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGSe4u5Ha0h3qdwgSFAy0bMGRWsRDLaHaG4Upf9rhoINy8_VmqA9nSQHRNkA3TLutWSJF8D2KO4UCkMZw1SOO3tlY3MQzyZHU5yLSmc6qH5k1eGg-8MFbPzfoS2rZdhkXI3fhU4xB9p2Hh/s1600/MV5BNjgwMjAwODIyOF5BMl5BanBnXkFtZTYwNzM2MDQ2._V1_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="352" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGSe4u5Ha0h3qdwgSFAy0bMGRWsRDLaHaG4Upf9rhoINy8_VmqA9nSQHRNkA3TLutWSJF8D2KO4UCkMZw1SOO3tlY3MQzyZHU5yLSmc6qH5k1eGg-8MFbPzfoS2rZdhkXI3fhU4xB9p2Hh/s320/MV5BNjgwMjAwODIyOF5BMl5BanBnXkFtZTYwNzM2MDQ2._V1_.jpg" width="250" /></a></div>
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<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;">Estuvo inolvidable como la rebelde e independiente Jo de “Mujercitas” (1949), una de sus interpretaciones más recordadas y deliciosa como la esposa de Gene Kelly, alias D´Artagnan en la lujosa adaptación de la Metro de “Los tres mosqueteros” (1949) dirigida por George Sidney. Con este último título daría el salto de jovencita encantadora a esposa abnegada y madre comprometida, adornando el melodrama de altos vuelos de la Metro en películas como “El mundo es de las mujeres” (1954), “Música y lágrimas” (1954), “La torre de los ambiciosos” (1954) o “ Interludio de amor” (1957), donde se mostró fuerte y conmovedora a partes iguales.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwfg9Q0DnoGpzm_m_CtbfdYj4Q5AG3SRdW9MTGKMSmJVge7wB9Iakt3etQre3wJpDhxQ5cnu-F5OJbGvJ6Xf0y2pG28svPqeavmm6FfkBJDYwLMRT5M_dYC0nnQFy1DB6yjtaaTxhyphenhyphenqzp-/s1600/Annex+-+Allyson%252C+June_04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1286" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwfg9Q0DnoGpzm_m_CtbfdYj4Q5AG3SRdW9MTGKMSmJVge7wB9Iakt3etQre3wJpDhxQ5cnu-F5OJbGvJ6Xf0y2pG28svPqeavmm6FfkBJDYwLMRT5M_dYC0nnQFy1DB6yjtaaTxhyphenhyphenqzp-/s400/Annex+-+Allyson%252C+June_04.jpg" width="321" /></a></div>
<span style="font-family: Georgia, Times New Roman, serif;"><br /></span>
<span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Con la caída del sistema de estudios, Hollywood dio un giro temático hacia un cine más adulto y comprometido en imágenes y contenido, en el que la personalidad y carisma de June Allyson tendrían poca cabida. Sus dos últimos títulos importantes serían sendos remakes de dos célebres comedias de los años 30, “El sexo opuesto” (1956) versión musical y descafeinada del filme de Cukor “Mujeres” (1939) y “Un mayordomo aristócrata” (1957) trasunto de “Al servicio de las damas” dirigida por Gregory La Cava en 1936. Tras un poco alentadora experiencia en "Stranger in my arms” (1954) la pecosilla June abandonaría la pantalla para dedicarse en cuerpo y alma a su familia y a su esposo el también actor y cantante Dick Powell con quién había contraído matrimonio en 1945, formando una sólida unión hasta el fallecimiento de este en 1963, demostrando que su vida privada respondía a los mismos principios e imagen que sus personajes en la pantalla.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpiCb0FhG1RaT2GQHBWaVtr0Y1esYvCcUgjVpRY5FMg1oTIKrmIbNaOLC4_eGHu0Rk8o8XwgPFUFX5VwmbGLnEfeH6qXPAo878Y402Yn4gmVQuT6Pj9iDHu9CXj5kgj3XguxtVRow9K-LW/s1600/allyson-stewart.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="712" data-original-width="564" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpiCb0FhG1RaT2GQHBWaVtr0Y1esYvCcUgjVpRY5FMg1oTIKrmIbNaOLC4_eGHu0Rk8o8XwgPFUFX5VwmbGLnEfeH6qXPAo878Y402Yn4gmVQuT6Pj9iDHu9CXj5kgj3XguxtVRow9K-LW/s400/allyson-stewart.jpg" width="316" /></a></div>
<span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><br /></span>
<span style="font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">Su regreso en roles secundarios a principios de los años 70 poco o nada aportaría a su antigua gloria, películas de consumo rápido y olvido fácil como “Solo matan a su dueño” (1972) en las que la actriz aportaría poco más que su experiencia y nombre a un público ignorante de su antiguo brillo. Murió a los 88 años de edad de un fallo cardiaco dejando el celuloide clásico un poco más huérfano, recuerdo de una época en la que su rostro alegre quedó impreso en imágenes de rabioso colorido que despertaron los sueños y esperanzas de generaciones de espectadores para los que su baile e imbatible sonrisa fueron el mejor bálsamo para dejar atrás la pesadumbre de un mundo que buscaba superar las heridas de la guerra.</span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-60652304223889080602019-03-19T00:41:00.003+01:002019-03-28T16:27:42.604+01:00Filmoteca Clásica "La calle 42" (1933) Lloyd Bacon<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqDyg4_1T1RJFJXvi5UyJ8-ssh6DBEK_u_lKNJlmEfFHJ6TFZPrLxZDZUqaldIBxwY09uSCZf01ZcrjWlZGMLAupkI7BnY4TSAMzz1TTlgB19vVM0DVByOAgzf6zFa7_K2bC1zXGsOA5-d/s1600/42nd_street-186244807-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="773" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqDyg4_1T1RJFJXvi5UyJ8-ssh6DBEK_u_lKNJlmEfFHJ6TFZPrLxZDZUqaldIBxwY09uSCZf01ZcrjWlZGMLAupkI7BnY4TSAMzz1TTlgB19vVM0DVByOAgzf6zFa7_K2bC1zXGsOA5-d/s400/42nd_street-186244807-large.jpg" width="257" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">A pesar de ser en muchos sentido un filme rutinario y previsible tanto en la forma como en su planteamiento argumental, típica historia de montaje de un espectáculo teatral con director tiránico obsesionado con la perfección, estrella ególatra que debe ser sustituida de improviso y joven aspirante que salva la función en el último momento, un esquema repetido hasta la saciedad en aquellos años, "La Calle 42" ha pasado a la historia por ser el primer musical que utiliza un lenguaje y elementos puramente cinematográficos</span><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"> fruto del talento del coreógrafo Busby Berkeley, uno de los creadores más personales y originales del Hollywood clásico que consiguió sacar al género del estatismo de los primeros años del sonoro con sus imposibles y vistosas coreografías. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpb53bHR1ZzMnmfyrn-cm5au9UI09HjMhTNds24L6Samr6f_0aPGUu5doob8RQLtyXgCWnLLeEI-nZCxWrNJpNN3XUGeYNsKqaPvM9EgchJVl425B2L-dwrw55yp5pB7daa96kWjV0u4mh/s1600/1-4nd-street-175656_655x.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="382" data-original-width="655" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpb53bHR1ZzMnmfyrn-cm5au9UI09HjMhTNds24L6Samr6f_0aPGUu5doob8RQLtyXgCWnLLeEI-nZCxWrNJpNN3XUGeYNsKqaPvM9EgchJVl425B2L-dwrw55yp5pB7daa96kWjV0u4mh/s400/1-4nd-street-175656_655x.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El musical fue desde los albores del sonido en la pantalla uno de los géneros preferidos por el público, la ocasión no solo de ver hablar, sino cantar y bailar al ritmo de la música a sus estrellas favoritas constituía un atractivo irresistible para los millones de personas que no podían costearse un espectáculo teatral, ámbito al que se veían restinguidos este tipo de espectáculos. Sin embargo los primitivos sistemas de sonido hacían que la cámara permaneciera inmóvil frente cantantes y bailarines como si se rodase una escena teatral. El inquieto Berkeley, gran conocedor del musical escénico entendió que el nuevo medio necesitaba un lenguaje completamente distinto e imprimió su sello personal a base de espectaculares travellings y planos picados de cámara, que filmaban a las coristas desde ángulos imposibles hasta entonces, creando un estilo inconfundible. Cualquier secuencia del coreógrafo y director estadounidense se reconoce inmediatamente como propia de su genio único. Berkeley daría soltura a la cámara e imprimiría un ritmo a las secuencias nunca visto en la pantalla sentando las bases del musical cinematográfico. Las escenas en las que decenas de coristas adoptan formas caleidoscópidas tanto con sus cuerpos como con sus vestidos mientras la cámara recoge sus movimientos desde el techo, a ras de suelo o en ángulos insospechados forman hoy día parte de la historia del cine en general y del musical en particular, dando buena cuenta del significado de Busby Berkeley en la evolución del género hasta el punto que los números rodados por él son lo más importante de las películas en las que llegó a participar, por encima de las escenas rodadas por el director titular o el argumento de los mismos. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjzGhAgSvL4-NhwdKYlnkce-8Ght8xeXGd4vRxlV3Ub6EGFPNxdpaBqLVLYkaRdNOFkhYT0kG8aWFrWTUiNU2K0g0g6P_SxGBLZ4xXw0w-aMzRlFes0pl0DoT5xFj8jVVePB6TY9uVJLEI/s1600/050926_1_milf2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="550" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjzGhAgSvL4-NhwdKYlnkce-8Ght8xeXGd4vRxlV3Ub6EGFPNxdpaBqLVLYkaRdNOFkhYT0kG8aWFrWTUiNU2K0g0g6P_SxGBLZ4xXw0w-aMzRlFes0pl0DoT5xFj8jVVePB6TY9uVJLEI/s400/050926_1_milf2.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El público acudía en masa por el atractivo que suponían estas espectaculares coreografías que no formaban en la mayoría de los casos parte del argumento central sino que se ofrecían como parte del montaje teatral en el que se desarrollaba la trama. Tal fue la relevancia que obtuvo que el nombre de Berkeley se destacaba por encima del resto de componentes del reparto dando cuenta del verdadero artífice y creador de dichos filmes.</span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipyrfrQK8haoJK2xpHqg3avZO3WXVG6kAbpGNQ3i9KsrNuJoY6rLZxuMCiEmtBH9O6jwOtuhfPUPTMlyirE5fFDunuYq6VkjAsXli8PRt6TxRhr_q2ixG_KFblYdQXF8vu7i7CaLewvTdb/s1600/mery_calle-42_todas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="453" data-original-width="653" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipyrfrQK8haoJK2xpHqg3avZO3WXVG6kAbpGNQ3i9KsrNuJoY6rLZxuMCiEmtBH9O6jwOtuhfPUPTMlyirE5fFDunuYq6VkjAsXli8PRt6TxRhr_q2ixG_KFblYdQXF8vu7i7CaLewvTdb/s400/mery_calle-42_todas.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La película catapultó a la fama a su protagonista, Ruby Keeler, una excelente bailarina de claqué especialista en papeles de jovencita pueblerina e ingenua que acaba triunfando en el complicado mundo del espectáculo, prototipo con el que seguramente el público de la depresión se sentía identificado al representar el triunfo del proletariado en un mundo de pesadumbre y pobreza, Con tales armas la actriz se convertiría en una de las estrellas favoritas del público estadounidense durante la década de los treinta. Junto a ella el cantante melódico Dick Powell que formaría una pareja ideal con Keeler en varios títulos similares como "Desfile de Candilejas" (1933) o "Vampiresas 1933" (1933) en los que Berkeley ampliaría el volumen y espectacularidad de sus celebrados números musicales. A destacar igualmente la participación una todavía desconocida Ginger Rogers apunto de dar el salto a la fama al encontrarse con Fred Astarire. La actriz está sensacional en el papel de corista de vuelta de todo sobre la que se sostiene la parte cómica del argumento.</span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioZXaacvWPq_y1WuIKK5_-4jLXOVtAvUto7tS70C8L4EB2KxaxiuyHEMCN0d-j7O4pzwWcWE8lcUoT3ZR5e1_SD8JO0tneVcGjCE9vLu1ZY-eIJqqJA9qly4f1V1Pw5O6vOTqQyKaH9y-C/s1600/kaf1F0qBDjJyoU4pT6a6iwKtcW9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioZXaacvWPq_y1WuIKK5_-4jLXOVtAvUto7tS70C8L4EB2KxaxiuyHEMCN0d-j7O4pzwWcWE8lcUoT3ZR5e1_SD8JO0tneVcGjCE9vLu1ZY-eIJqqJA9qly4f1V1Pw5O6vOTqQyKaH9y-C/s400/kaf1F0qBDjJyoU4pT6a6iwKtcW9.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Sin duda alguna "La calle 42" es uno de los títulos más influyentes de su época piedra angular sobre la que se cimentaría la posterior evolución del cine musical americano, haciendo gala de la frase con la que se publicitaría la película a partir de su reivindicación en los años 80 "El musical americano comienza en... La calle 42".</span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-12101713236116242432018-02-21T01:25:00.005+01:002018-02-21T01:25:56.088+01:00Filmoteca clásica... "Los diez mandamientos" (1956) Cecil B. Demille<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy2sJaX6VfXP843NUKA5fcnYHQ8GRdAmgDn4P2yEGXVpw8VRwen5e4-vulJs1l_PpihxY1J8kEv0feeih6ndHvjV0HtY0bkSrBzkb7oRVoD_sWs2PXM3aNLUlMcYQjJZ9iVSecUhgWBIIO/s1600/Los-diez-mandamientos-cartel-cine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="700" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy2sJaX6VfXP843NUKA5fcnYHQ8GRdAmgDn4P2yEGXVpw8VRwen5e4-vulJs1l_PpihxY1J8kEv0feeih6ndHvjV0HtY0bkSrBzkb7oRVoD_sWs2PXM3aNLUlMcYQjJZ9iVSecUhgWBIIO/s400/Los-diez-mandamientos-cartel-cine.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia, "Times New Roman", serif;">"Los Diez Mandamientos" es el testamento cinematográfico de Cecil B. Demille, uno de los pioneros del séptimo arte, responsable de la creación y evolución de gran parte de su lenguaje e historia. Este último título contiene todos los defectos y aciertos del realizador. Su indiscutible sentido del espectáculo basado en un estilo grandilocuente y "camp" con ciertos tintes eróticos usados como elemento moralizante, un magnifico ritmo cinematográfico que mantiene al espectador pegado a la silla durante sus casi cuatro horas de proyección, interpretaciones un tanto exageradas apoyadas en el atractivo de un impresionante reparto plagado de estrellas y el uso de la técnica cinematográfica al servicio de su propia visión de la historia elevando la misma a una altura mítica, sin duda mucho más interesante de la original narrada en las Sagradas Escrituras. De hecho el propio Demille aparece en pantalla antes de la proyección, presentando el filme como una historia de "la libertad frente a la tiranía" y haciéndose eco de lo mucho que el equipo se ha documentado para poner en imágenes la vida de Moises, aunque finalmente lo que presenciemos, lejos de ninguna crítica ni profundización erudita, es un brillante espectáculo en Technicolor mezcla de aventura exótica y melodrama aleccionador destinado a conmover a los sectores más piadosos de la época y amantes del cine en general, aunque desde dos vertientes bien diferenciadas, los primeros atraídos por su mensaje de estampita religiosa y los segundos por su sensacional sentido cinematográfico. Este es en muchos sentidos el resumen de la obra de Demille, mezcla de puesta en escena obsoleta y teatral y magnífico ritmo e ingenio creativos en provecho del espectáculo.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
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<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;">El realizador ya había llevado la historia a la pantalla en la etapa muda, "Los Diez Mandamientos" (1923). en la que la historia de Moises se presentaba como pretexto en la primera parte de la película para contar la historia de dos hermanos, uno noble y decente y otro crápula tentado por la ambición y vida licenciosa, que al final de la historia era castigado como cabe esperar y terminaba convertido a la fe cristiana. El prólogo en el que se narra la historia Bíblica es sensacional y en el ya se incluyen muchos de los elementos de esta versión definitiva incluido el célebre milagro de la apertura del Mar Rojo, realizado con un trucaje fotográfico formidable para una época tan temprana. </span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyx75smQZtmcADUaA4KWRs8HtlMY0VFGVRTZq8XJ_QVAxXayzrzrdaJ3_-BNoh6YfGBQi9Ei4SYf9cuGyZW6_JSvl-RGSM8A_eQIk3NgjUUYVTkwTth9OOn-pSkNIMAfjV0DBy5x8Zk8m5/s1600/los-diez-mandamientos-1923-f.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="420" data-original-width="750" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyx75smQZtmcADUaA4KWRs8HtlMY0VFGVRTZq8XJ_QVAxXayzrzrdaJ3_-BNoh6YfGBQi9Ei4SYf9cuGyZW6_JSvl-RGSM8A_eQIk3NgjUUYVTkwTth9OOn-pSkNIMAfjV0DBy5x8Zk8m5/s400/los-diez-mandamientos-1923-f.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;">A mediados de los cincuenta el cine tenía que acudir a argumentos y películas que ofrecieran al espectador un motivo para acudir a las salas cinematográficas, ya que la competencia que ofrecía por entonces el nacimiento de la televisión era brutal y terminaría por acabar con el famoso "sistema de estudios" y los contratos a largo plazo con sus estrellas. Por este motivo Hollywood volvió los ojos a la historia con el fin de levantar fastuosos espectáculos proyectados en enormes pantallas con todos los atractivos que la tecnología podía ofrecer como el Cinemascope o el Technicolor frente al primitivo entretenimiento de la pequeña pantalla en blanco y negro. En este contexto la mayoría de los profesionales de la época pusieron su talento al servicio de argumentos basados en el Mundo antiguo, llenando la pantalla de romanos, griegos, cartagineses o egipcios con desigual fortuna. Como ya se ha comentado Demille era uno de los realizadores que se movía como pez en el agua en este tipo de historias, desde sus inicios fue uno de los especialista del género con títulos tan populares como "Rey de Reyes" (1927), "El signo de la Cruz" (1932) o "Las Cruzadas" (1935). A finales de los 40 puso de moda un tipo de cine que mezclaba la religión con la aventura a través el éxito de "Sansón y Dalila" (1949) que sería la semilla para todo lo que vendría después.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqTMmKkocqt67KvqijKB4odupTBsgV1f6DoXZuaXFMuO2JFZMKa4M3PdGOAyW2VkHYHOm-xN4LwmWElL9UncYGHIrz-uJavDTDoG-VxiMyikXWQTabqN2IIyN8fVYyletiMbDLmRm6TWLo/s1600/5c6cacec34f4fc5b28b7373210c38b2b.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqTMmKkocqt67KvqijKB4odupTBsgV1f6DoXZuaXFMuO2JFZMKa4M3PdGOAyW2VkHYHOm-xN4LwmWElL9UncYGHIrz-uJavDTDoG-VxiMyikXWQTabqN2IIyN8fVYyletiMbDLmRm6TWLo/s400/5c6cacec34f4fc5b28b7373210c38b2b.png" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;">Para "Los Diez Mandamientos" de 1956 la Paramount, confiando en la capacidad de Demille para generar éxitos, no reparó en gastos trasladando a todo el equipo a Egipto y el Sinahí con la intención de rodar en los escenarios originales donde se desarrollaba la vida y milagros del protagonista, un hebreo convertido en príncipe de Egipto y posteriormente tocado por la "gracia Divina" con la misión de liberar al pueblo de Israel del dominio de los Faraones. Para interpretar a Moises Demille confió en un actor que, aunque conocido, aún no era un astro internacional como para sostener un espectáculo de estas dimensiones y presupuesto, sin embargo su talento para descubrir luminarias convirtió a Charlton Heston en una de las últimas estrellas de la pantalla, especializando su carrera en figuras históricas con gran éxito. Aunque los motivos que argumentó Demille para elegir a Heston son mucho más pueriles, según él se basó en el parecido que encerraba el actor con el Moises esculpido por Miguel Ángel y la impresionante envergadura física del actor. </span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKvZGUc9MaHpWxU5dj62BueIU1jRyNEZhAcUkY09FL6WxqN179fSbXPtVGF7vNLukumqnAedoFxvTE4nRKSK4kOlG5TmNSv5vTIFnPXPebDZG4_aaNSeg9YD9A1JRAq33_36rpbsJHE42/s1600/a-Cecil-B_-DeMille-The-Ten-Commandments-DVD-Review-Charlton-Heston-PDVD_002-e1286735260453.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="600" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKvZGUc9MaHpWxU5dj62BueIU1jRyNEZhAcUkY09FL6WxqN179fSbXPtVGF7vNLukumqnAedoFxvTE4nRKSK4kOlG5TmNSv5vTIFnPXPebDZG4_aaNSeg9YD9A1JRAq33_36rpbsJHE42/s400/a-Cecil-B_-DeMille-The-Ten-Commandments-DVD-Review-Charlton-Heston-PDVD_002-e1286735260453.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: Georgia;">Un soberbio reparto de primeras figuras acompaña a Heston en su experiencia mística. Yul Brynner, otra estrella incipiente gracias al éxito de su papel escénico como el monarca siamés del musical "El rey y yo", interpreta al frío y ambicioso Ramses. Aunque Brynner se pasea por los salones de Seti I con los ademanes y andares de un macarra del Bronx neoyorquino, su gran apostura y magnetismo confieren al papel una personalidad, que si bien no se parece en nada al aristocrático porte de un Faraón XIX Dinastía, al menos funciona de cara a los intereses de la historia, como contrapunto del sensato y noble Moisés. Anne Baxter sobreactuada Nefertari, especialmente en la primera parte de la película, que como bien indica Terenci Moix en su obra "Mis inmortales del Cine", hubiera estado magnífica como la pastorcita Sephora, señora de Moisés, papel interpretado por la otrora vampiresa Yvonne de Carlo, quién parece ser fue una de las opciones para Nefertari, pero la actriz solicitó el cambio de roles en un intento por huir de los personajes tentadores y casquivanos que le había tocado interpretar hasta el momento. El resto del elenco es de primer orden, un plantel de actores y actrices cuyo nombre está ligado a la historia de Hollywood, Edward G. Robinson, Vincent Price, Nina Foch, Judith Anderson, Debra Paget, John Derek, John Carradine, Sir Cedric Hardwidcke y un largo etc. que completan y dan brillo a las casi cuatro horas de duración del filme. </span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUFMWWB1AFv9WpkAHbL6pZ6AVy320P3YIYSlrMj8NmTJRwQT-BEDg5V_SPgJBrlrp2M1b673ZU7R_AZJyN8VUKT2W2hEmNGAjxpqvAo2RZ5XHOyI-KqiPfTdLQG517lG31B2z9nG_cfpHx/s1600/20120406-115906.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="280" data-original-width="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUFMWWB1AFv9WpkAHbL6pZ6AVy320P3YIYSlrMj8NmTJRwQT-BEDg5V_SPgJBrlrp2M1b673ZU7R_AZJyN8VUKT2W2hEmNGAjxpqvAo2RZ5XHOyI-KqiPfTdLQG517lG31B2z9nG_cfpHx/s1600/20120406-115906.jpg" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;">La ambientación y escenas de masas son modélicas en su género, lo que unido a su estatura épica, banda sonora y fotografía (la escena de la apertura del Mar Rojo es uno de los iconos del Séptimo Arte) han hecho de ella uno de los clásicos más amados de todos los tiempos, motivo de continúas reposiciones y pases televisivos de éxito asegurado. <span style="color: blue; font-family: Georgia;">Los medios invertidos en la obra convirtieron a la película en una de las más caras rodadas hasta entonces, aunque los esfuerzos se vieron compensados con una recaudación que superó los 65 millones de dólares, convirtiéndose en uno de los filmes más taquilleros de la historia del Cine, siendo <span style="color: blue; font-family: Georgia;">nominada en siete categorías en la edición de los premios Oscar de 1956 entre los que se encontraban los relativos a mejor película, dirección artística, fotografía, montaje, sonido, vestuario y efectos especiales, aunque solo se alzaría con la estatuilla relativa a esta última categoría, siendo batida en casi todas ellas por otras tres grandes superproducciones de la época, "La vuelta al mundo en 80 días", "Gigante" y "El Rey y yo" que valdría el Oscar al mejor actor a Yul Brynner.</span></span></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWMBf0wl9WwxhbskJ6e8OjD-bIu4ru7Sbrqxyzvk3nYR7VlZk5W3MlYpQ2lUltjHPI7GtXJGb1oE0xL-zwqI_Armrz5A2W5_LRjZbkgSrN13GAVgZFoS50xlwDo_dDt0fn34d7J0A4Npxi/s1600/ii0rgpMosRh7T.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="576" data-original-width="1024" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWMBf0wl9WwxhbskJ6e8OjD-bIu4ru7Sbrqxyzvk3nYR7VlZk5W3MlYpQ2lUltjHPI7GtXJGb1oE0xL-zwqI_Armrz5A2W5_LRjZbkgSrN13GAVgZFoS50xlwDo_dDt0fn34d7J0A4Npxi/s400/ii0rgpMosRh7T.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: Georgia;"><span style="color: blue; font-family: Georgia;">El impacto de la película y su importancia en la historia del Cine es tan grande que a finales de los noventa fue uno de los títulos considerados por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su preservación y conservación en el National Film Registry junto a obras como "Un americano en Paris", "Casablanca", "Pinocho", "El Mago de Oz" o "Ciudadano Kane". Cine en estado puro de principio a fin.</span></span><br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-24518645121807667942018-01-23T08:25:00.000+01:002018-01-23T08:25:29.878+01:00Filmoteca Clásica... "Casablanca" (1942) Michael Curtiz<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-RCF2r_0ZjIlvf1tuI0TtOPeYo8cv_d0e0ltemo8d0AJ7jh04c9kDd_uI_nxNxhYAH0SdPWIhD_Zq1Rc8Hc-6vNso38FTNGBDne33FKtNbOO3bSn2__HdZCk3MfRsdQLvGLvARm2ZDGZQ/s1600/Poster-Casablanca_13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1246" data-original-width="1600" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-RCF2r_0ZjIlvf1tuI0TtOPeYo8cv_d0e0ltemo8d0AJ7jh04c9kDd_uI_nxNxhYAH0SdPWIhD_Zq1Rc8Hc-6vNso38FTNGBDne33FKtNbOO3bSn2__HdZCk3MfRsdQLvGLvARm2ZDGZQ/s400/Poster-Casablanca_13.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pocos títulos han alcanzado la estatura mítica de "Casablanca". Sus inmortales imágenes, sus célebres diálogos y la belleza de su leitmotiv emocional, la canción "As time goes by" (El tiempo pasará), forman parte de la cultura sentimental del siglo XX. Tanto es así que son conocidas incluso por aquellos que jamás han visto la película. Y sin embargo como ocurre con tantas obras maestras fue un rodaje tormentoso, con un resultado fruto casi de la casualidad. Para empezar ni Ingrid Bergmand ni Humphrey Bogart fueron las primeras elecciones para los personajes de Ilsa y Rick, aunque la química de la pareja sea hoy día una de las principales bazas de la película y no se conciba la historia sin ellos. Inicialmente la Warner la concibió como un vehículo romántico para la glamourosa Hedy Lamarr y el anodino Ronald Reagan, sin duda alguna el cambio de la pareja protagonista fue determinante, beneficiando enormemente al acabado del filme y su posterior repercusión. Tanto Bogart como Bergmand se convierten en el paradigma de los amantes condenados a no tener un final feliz, inmortalizando la estatura mítica de su amor. </span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pero ni siquiera este desenlace estuvo claro hasta el final. Es sabido que Ingrid Bergmand se pasó la película preguntándole a su director, Michael Curtiz, de quién debía mostrarse enamorada, si de su esposo en la ficción Paul Henreid o del cínico pero irresistible Boggie. El guión se iba reescribiendo durante el rodaje y en ocasiones los actores no tenían apenas tiempo para ensayar sus escenas, este hecho aportó aún mayor autenticidad a la interpretación de Ingrid, a la inseguridad emocional que transmite durante toda la película, debatiéndose entre su pasión por Bogard y la lealtad hacia su esposo.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg430GyES_0G8zfDyWTCKWT7dyg8gmQROG3FVOhvJmrn-BIOjZZLs9GpQ7RRSTugN7xeelFhCAm_r4c1ZbN7a5pmUgbSaHsBIeFm-oB41kKZOgZL-vjm_3nmc7YqAFzIeRlUz-CKxBnmDGF/s1600/casablanca-humphrey-bogart-ingrid-bergman-warner-brothers-promo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="1200" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg430GyES_0G8zfDyWTCKWT7dyg8gmQROG3FVOhvJmrn-BIOjZZLs9GpQ7RRSTugN7xeelFhCAm_r4c1ZbN7a5pmUgbSaHsBIeFm-oB41kKZOgZL-vjm_3nmc7YqAFzIeRlUz-CKxBnmDGF/s400/casablanca-humphrey-bogart-ingrid-bergman-warner-brothers-promo.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El argumento se centra en la búsqueda y lucha por obtener unos pasaportes con los que escapar de Casablanca rumbo a EEUU que Bogard tiene en su poder, en medio del caos de la segunda guerra mundial en una ciudad aparentemente neutral pero vendida a los alemanes. Bogard debe elegir entre quedarse con los documentos y usarlos para retener egoistamente a Ilsa a su lado o permitir que escape de las garras de los nazis con su esposo, líder de la resistencia huido de un campo de concentración alemán. Sin embargo, la historia de amor de Ilsa y Rick es tan potente que el resto de la historia pasa a un segundo plano, incluida la guerra, sólo nos interesa saber cual será el destino de los amantes, interrumpido cuando ella abandonó París de forma misteriosa dejando a Rick desolado.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4r24Xb3zoCfHumtpvtEmUZPUNTZqZeJ_YDw2RLOI5TT4NyBHqPY-bolyKNdoIivjFY_9Hip7GWMzTbGR1FKsXWU2KbGIJSgMTqQ03UKWAQ3oG449S_eMvO9QbrLCrjb8dUx429BEjwRk0/s1600/casablanca2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="1000" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4r24Xb3zoCfHumtpvtEmUZPUNTZqZeJ_YDw2RLOI5TT4NyBHqPY-bolyKNdoIivjFY_9Hip7GWMzTbGR1FKsXWU2KbGIJSgMTqQ03UKWAQ3oG449S_eMvO9QbrLCrjb8dUx429BEjwRk0/s400/casablanca2.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Ni los actores, ni el equipo técnico se imaginaron que estaban dando vida a uno de los títulos más emblemáticos de la historia del cine. Todos pensaban que iba a pasar con más pena que gloria. Ingrid Bergmand estaba deseando terminar para incorporarse al rodaje de "¿Por quién doblan las campanas?" (1943) que suponía iba a ser uno de los hitos de su carrera, estaba encantada con su personaje de guerrillera española en lucha contra el fascismo que le ofrecía la adaptación de la novela de Hemingway, sin embargo aquella película no aportó gran cosa a su filmografía, sería el culto que obtendría a lo largo de los años el filme de Curtiz quién haría que la actriz ganase la inmortalidad, convirtiéndose en foto fija de la historia del cine y portada del Hollywood clásico. </span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Para Bogart que había alcanzado un estrellado tardío tras largos años de papeles secundarios en la pantalla, fue la película que le consagró y en la que terminó de encontrar su personalidad como estrella, el rol del tipo duro de vuelta de todo, desconfiado y hecho a base de cinismo, pero con buen corazón al fin y al cabo. Una de las citas geniales de la película la da su personaje cuando el Mayor Strasser intenta tantear su ideología política preguntándole cual es su nacionalidad, a lo que Bogart contesta "borracho". </span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El filme está plagado de frases célebres que son un almanaque del cine romántico... "los alemanes iban vestidos de gris y tú de azul", "de todos los cafés del mundo tenía que aparecer en el mío", "tócala Sam, toca el tiempo pasará", "siempre nos quedará París" o la que cierra la película "intuyo que esto es el comienzo de una gran amistad"... Son frases que han calado tan hondo que son utilizadas como muletillas por la cultura popular.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMMV-Qim4Bwsx4pb_D3IUt_5Ok-yIsALOVWvY972pd8A7NcFtJWPXrasX5twcb50pH-ofSPNsCCM3fbTzijXwHUkl-M52_zXIbPlgUUe9hXNhfyX2lA67dl9pyxT0FqSSJgb9nDz1Z8kwU/s1600/casablanca-3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="995" data-original-width="1600" height="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMMV-Qim4Bwsx4pb_D3IUt_5Ok-yIsALOVWvY972pd8A7NcFtJWPXrasX5twcb50pH-ofSPNsCCM3fbTzijXwHUkl-M52_zXIbPlgUUe9hXNhfyX2lA67dl9pyxT0FqSSJgb9nDz1Z8kwU/s320/casablanca-3.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">El resto del elenco pertenece a lo mejor de la escudería Warner. Claude Rains como el ambiguo jefe de policía francés, pendiente siempre de sacar provecho de cualquier situación con muy pocos escrúpulos y cuyo papel será determinante en el desenlace de la historia. Paul Henreid como el sufrido esposo de Ilsa, antítesis de Rick, héroe de guerra y representante de la libertad frente a la tiranía nazi. Peter Lorre como el siniestro contrabandista, otro personaje oscuro que se mueve en el un mundo donde el miedo y el instinto de supervivencia cobra un protagonismo esencial en la vida de los personajes. O el fabuloso Conrad Veit uno de los mejores malos de la pantalla, como el odioso Mayor Streasser destinado a morir dejando un final abierto a la esperanza y el triunfo aliado.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEin0-HT7h-35VtT9eTqRxdFWROWJOPKDw69FdBjbsY4icTa_F9MAGPEBfL8thwDBUxBTMcC8ZNV1ELPozo8sKxnMo86j4vxnv2ejEE2TIl21umaKsM_AeblCxnSu0NIAToD2GkVOr3A4URb/s1600/Casablanca.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEin0-HT7h-35VtT9eTqRxdFWROWJOPKDw69FdBjbsY4icTa_F9MAGPEBfL8thwDBUxBTMcC8ZNV1ELPozo8sKxnMo86j4vxnv2ejEE2TIl21umaKsM_AeblCxnSu0NIAToD2GkVOr3A4URb/s400/Casablanca.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">La fotografía del filme es sencillamente maravillosa, consiguiendo crear una atmósfera mágica, casi irreal en algunas escenas, dando al blanco y negro una entidad propia que lo sitúa como un personaje más de la trama, apuntalando los sentimientos, desarrollando el mundo interno de los protagonistas. La cuidada iluminación de Bergman es de escuela de cine, no solo la muestra más bella que nunca, hace que aparezca llena de brillo interior realzando el carácter romántico de su personaje, sin duda la actriz aprovecha esta circunstancia como un recurso más sublimando su interpretación. La dirección de Curtiz, magnífica, nos atrapa con un montaje tan bien conseguido que en ningún momento hace sospechar las dificultades creativas por las que pasó el filme durante su gestación. Y no podemos olvidar el tema inmortal del filme, "El tiempo pasará", una magnífica canción que se ha convertido en banda sonora del cine en si mismo, versionada por multitud de primeras figuras de la canción, encontró en la voz de Dooley Wilson su intérprete ideal. Como anécdota comentar que el músico no sabía tocar el piano y tan solo simulaba hacerlo durante las escenas.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyZfT2AMGKA40SChyphenhyphenm7O_8xMmMHXnV_ZCjPmwkaiaGChnUyBr4TCVd7OIJsAx5UhvzXD6aC0PINVs4q7_BVlrmsXRbL4oZmsYoXMB-Hb5JwpeGZVqitdG885wUjG8TgtdekR_PTVLMYRAM/s1600/d678e236d70105114c69eacf456f5335--ingrid-bergman-casablanca-casablanca-.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="333" data-original-width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyZfT2AMGKA40SChyphenhyphenm7O_8xMmMHXnV_ZCjPmwkaiaGChnUyBr4TCVd7OIJsAx5UhvzXD6aC0PINVs4q7_BVlrmsXRbL4oZmsYoXMB-Hb5JwpeGZVqitdG885wUjG8TgtdekR_PTVLMYRAM/s1600/d678e236d70105114c69eacf456f5335--ingrid-bergman-casablanca-casablanca-.jpg" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">"Casablanca" obtuvo un importante éxito en su momento, logrando nada menos que 8 candidaturas a los Oscars de 1943, de los cuales consiguió los relativos a la mejor película, mejor director y mejor guión, en una época en la que el palmares estaba copado de obras maestras año tras año. Sin embargo no sería hasta los años 70, al ser revisado en cine clubs y televisión, cuando empezaría a ser reivindicado como la obra maestra que es, obteniendo el crédito del que goza en la actualidad. Es difícil hablar de ella sin decir algo que ya esté dicho o escrito, es como "Lo que el viento se llevó" (1939) el clásico entre los clásicos, tanto es así que suele aparecer de forma invariable en todas las listas que recogen los mejores títulos de la historia del cine y sus obras más influyentes. Una película absolutamente inolvidable, que lleva hechizando décadas, demostrando que sin duda para ella "el tiempo no pasará..."</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF7noKWiR-wwxpAob2-YY6mX3sv40p-FOfI__w61985bXf9CoKe3_qEDiHethTKJs9sHL0OQT0KKyXTc8JN5VH3XvYIy30BIYG9BQdNBmD-v2F4UBX7krguOgh55e1IY3DKsfgYVvI0e4I/s1600/sam-s-casablanca-piano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1202" data-original-width="1600" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF7noKWiR-wwxpAob2-YY6mX3sv40p-FOfI__w61985bXf9CoKe3_qEDiHethTKJs9sHL0OQT0KKyXTc8JN5VH3XvYIy30BIYG9BQdNBmD-v2F4UBX7krguOgh55e1IY3DKsfgYVvI0e4I/s320/sam-s-casablanca-piano.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-51638097981434311112018-01-17T22:33:00.003+01:002018-01-17T22:38:58.330+01:00Mis estrellas favoritas... Ingrid Bergmand<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFsRO1WFsqOpq7S4EShQQoO4i-KqiqAlERepT3FMjFjRU5DSV3vxaCRWFOAZPiyuH7UF_L9k7SGXfnP1M8w7Tf7BbesF7Uv2y0YDklGWVXsedGkQA9sZWfuERINjzMWL8UualIaoKan_jq/s1600/da9bd8dae09d996dbe217762872c9c24--hollywood-glamour-hollywood-stars.webp" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="680" data-original-width="501" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFsRO1WFsqOpq7S4EShQQoO4i-KqiqAlERepT3FMjFjRU5DSV3vxaCRWFOAZPiyuH7UF_L9k7SGXfnP1M8w7Tf7BbesF7Uv2y0YDklGWVXsedGkQA9sZWfuERINjzMWL8UualIaoKan_jq/s640/da9bd8dae09d996dbe217762872c9c24--hollywood-glamour-hollywood-stars.webp" width="470" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Ingrid Bergmand irrumpió en el cine de Hollywood desde su Suecia natal como un descubrimiento formidable. En al reino del artificio, lejos del divismo y superficialidad de sus estrellas, ella era la espontaneidad, la belleza natural, la presencia incontaminada. Es bien sabido que se negó en rotundo a la que la implacable maquinaria de los Estudios la transformase en alguien diferente a sí misma, convirtiéndose en un espécimen único, en las antípodas de su compatriota "La Divina" Garbo. Como ésta causo sensación y el público de todo el mundo la adoró desde el primer momento. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbAvkTpigsd6HnCI2XL2d2M2tTuw8Cod5XL1bqVvShN6OYx3nXjj9M-r7lzmj9TPLQOl4KU_7aFBgsB2-8d0uRCupgRDJVoP-ijRIXG3dbEsh5fCIPSZmvaseIQupMafG81YX1lWR9dWRe/s1600/IngridBergmanportrait.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="366" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbAvkTpigsd6HnCI2XL2d2M2tTuw8Cod5XL1bqVvShN6OYx3nXjj9M-r7lzmj9TPLQOl4KU_7aFBgsB2-8d0uRCupgRDJVoP-ijRIXG3dbEsh5fCIPSZmvaseIQupMafG81YX1lWR9dWRe/s400/IngridBergmanportrait.jpg" width="305" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Debutó en EEUU con el melodrama romántico "Intermezzo" (1939) que no era sino un remake del filme sueco del mismo título que la dio a conocer fuera de su país, desde entonces inició una imparable carrera convirtiéndose en poco tiempo en una de las favoritas de público e industria, en lo que fue la era dorada del Hollywood clásico, beneficiándose de los mejores profesionales y materiales que la industria podía proporcionar en aquellos años. Sin embargo sus dos grandes éxitos, los que la convirtieron en una rutilante estrella, llegaron a sus manos por casualidad ya que tanto "Casablanca" (1943) como "Luz que agoniza" (1944) fueron pensados para la bellísima y sofisticada Hedy Lamarr quien los rechazó haciendo la fortuna de Ingrid. El primer título es en gran parte el responsable de su leyenda, dada la estatura mítica que el filme ha adquirido con los años, en cuando a "Luz que agoniza", dirigida por George Cukor, con su soberbia interpretación de esposa amenazada por un Charles Boyer que quiere volverla loca, ganaría un primer Oscar como mejor actriz aclamado por todos. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFr5xCLftZNdvL-_mpg10aXxwO2HnFuCm8kBoJDkzlqen973WqLMBxH93shddHXmpQxxtczyKgJLX_bGP_nlNicwl5j78LaHV4gtkNLndAAwMC_GEaqeauU_ZqT9FHvW97MzsdmxMjeTbp/s1600/casablanca2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="995" data-original-width="1600" height="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFr5xCLftZNdvL-_mpg10aXxwO2HnFuCm8kBoJDkzlqen973WqLMBxH93shddHXmpQxxtczyKgJLX_bGP_nlNicwl5j78LaHV4gtkNLndAAwMC_GEaqeauU_ZqT9FHvW97MzsdmxMjeTbp/s320/casablanca2.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Fue la guerrillera María que lucha junto al miliciano Gary Cooper durante la guerra civil española en la adaptación de la novela de Hemingway</span><span style="color: #222222; font-family: "arial" , sans-serif;"><span style="background-color: white;"> </span></span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">"¿Por</span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"> quién doblan las campanas?" (1943) y la monjita caritativa que acompaña al sacerdote cantarín Bing Crosby en el éxito "Las campañas de Santa María" (1945), pero sería el genio de Hitchcock quién le arrancaría nuevos registros y un erotismo distante y apasionado, del que tanto gustaba el mago del suspense, impulsando su carrera en dos títulos imprescindibles de su filmografía, "Encadenados" (1946) junto a Cary Grant y "Recuerda" (1945) donde se enamoraba de un amnésico doctor con el rostro de Gregory Peck. </span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">En este punto Ingrid era sin duda una de las actrices más veneradas</span><span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"> de su tiempo, con la industria y el público a sus pies. Sin embargo la mala elección de sus siguientes vehículos dieron un vuelco a su carrera. Ni su papel de prostituta junto a Boyer y Charles Laughton en "Arco de triunfo" (1948), ni el tedioso misticismo de "Juana de Arco" (1948) convencieron a nadie. Una tercera colaboración con Hitchcock en uno de sus títulos menos conocidos,"Atormentada" (1949), no mejoró las cosas haciendo que su potencial en taquilla disminuyese de forma alarmante. La situación se complicó aún más cuando abandono América y a su marido e hija para ponerse a las órdenes de Roberto Rossellini en "Stromboli" (1950), iniciando además una sonada relación con el realizador italiano que sería piedra de escándalo en la época. </span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHSInABBWarOfCaSUJHl-UTQun2OWwTBIHTGTJCb7FIpvA4SKKfrOwR4DHIhV2d5El9WZpH2_4rnrjhTqj03K8WyLAvpRR3NHolxI_S-V9UIXd28wNLAwKLdmUvBuHwJRdGSMUe4rRBybR/s1600/Notorious1946.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="282" data-original-width="364" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHSInABBWarOfCaSUJHl-UTQun2OWwTBIHTGTJCb7FIpvA4SKKfrOwR4DHIhV2d5El9WZpH2_4rnrjhTqj03K8WyLAvpRR3NHolxI_S-V9UIXd28wNLAwKLdmUvBuHwJRdGSMUe4rRBybR/s400/Notorious1946.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Se dice que Ingrid quedó absolutamente prendada del talento de Rossellini tras visionar "Roma, ciudad abierta" (1945) y escribió al director una famosa carta poniéndose a su entera disposición, manifestando un ferviente deseo de trabajar a sus órdenes. Tras conocerse la admiración por el genio se hizo extensiva al hombre y abandonó su matrimonio y su fructífera carrera para instalarse en Italia junto a su nuevo amor, con quién terminaría por contraer matrimonio tras gestar de forma de forma ilegítima al primer hijo de ambos, Roberto, ya que la actriz aún no tenía el divorcio de su anterior esposo. Esta situación desató la ira de las ligas católicas de EEUU que llegaron a pedir su excomunión e incluso fue declarada "persona non grata". Desde ese momento tanto su relación como sus siguientes películas en Europa a las órdenes de su marido la convirtieron prácticamente en una proscrita. Los títulos rodados por Rosselini, "Europa 51" (1952), "Te querré siempre" (1954) o "Juana de Arco en la hoguera" (1954), no tuvieron apenas ninguna repercusión y estuvieron a punto de apagar su estrella, además de colocarla en una difícil situación financiera, acrecentando una crisis matrimonial que acabó en divorcio tras dar a luz a dos hijas más, una de ellas la también actriz Isabella Rosselini, heredera de la belleza luminosa y clásica de su madre.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP902xwBj_Yj0pxrqKdNzscuFy10tQgkyPyoqMNQ2Sv6fIoBdR3PW4n3sJ-gs8GmxRS5IrNVMUl-42Y03cAi7ZZpRktWI4IY8oQcEmeH3lhFEj6oQ00FQa7y5RlRGv8Ht-b09Cq4-9g4gS/s1600/elena_et_les_hommes1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="447" data-original-width="600" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP902xwBj_Yj0pxrqKdNzscuFy10tQgkyPyoqMNQ2Sv6fIoBdR3PW4n3sJ-gs8GmxRS5IrNVMUl-42Y03cAi7ZZpRktWI4IY8oQcEmeH3lhFEj6oQ00FQa7y5RlRGv8Ht-b09Cq4-9g4gS/s320/elena_et_les_hommes1.jpg" width="320" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Tras la separación de Rossellini regresó a Hollywood obteniendo un enorme éxito y el perdón de la industria en forma de un segundo Oscar como mejor actriz por su interpretación de la sufrida "Anastasia" (1957), hija del Zar de todas las Rusias empeñada en demostrar desesperadamente a todo el mundo que había sobrevivido al fusilamiento de su familia por los bolcheviques, aunque no la creía ni su sombra ella al menos se llevaba del brazo a un sexy Yul Brinner como premio de consolación. Gracias al éxito del filme pudo vivir una segunda carrera con algunos títulos importantes como la deliciosa comedia "Indiscreta" (1958), la superproducción "El albergue de la sexta felicidad" (1958) o el delicado melodrama "No me digas adiós" (1961). En adelante se repartiría entre el cine, el teatro y la televisión a partes iguales, consiguiendo algunas interpretaciones memorables como la obra televisiva "Hedda Gabler" o su excelente composición de niñera apocada y religiosa de "Asesinato en el Orient Express" (1974) que le valdría su tercer Oscar, esta vez como mejor secundaria.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsXh6h5-tGkNH7O15MjH_4LX6PS4rTH0aulh7oTet9np7FPPqwQTy0tgsmF0kwb4sqO937XFcRtbTMfskw5gSZyCQphSzv44US6fLzGjP9QoGAF1ouCu9RBcwJ0y86BuiSJLGOST1kuRJJ/s1600/c3ab251e735ef610f146b22cea1c9ff0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="560" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsXh6h5-tGkNH7O15MjH_4LX6PS4rTH0aulh7oTet9np7FPPqwQTy0tgsmF0kwb4sqO937XFcRtbTMfskw5gSZyCQphSzv44US6fLzGjP9QoGAF1ouCu9RBcwJ0y86BuiSJLGOST1kuRJJ/s320/c3ab251e735ef610f146b22cea1c9ff0.jpg" width="285" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">"Nina" (1976) junto a Liza Minnelli y "Sonata de Otoño" serían sus últimos títulos para la gran pantalla. En 1975 se le diagnosticó un cáncer de mama que lejos de apocarla, hizo que se volcase en su profesión trabajando sin descanso, dando una vez más cuenta de su temperamento visceral y rebelde. En 1981 inicio el rodaje en Israel de la serie para televisión "Una mujer llamada Golda" (1982) basada en la vida de la primera ministra israelí Golda Meir, por la que obtendría varios premios entre ellos el Globo de Oro a la mejor actriz, pero que supondría todo un reto a su frágil salud, precipitando un triste final el mismo día en que cumplía 67 años. </span></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiupyC25MTv7WRNN01RkkCvHw5OvvJI0PPGa_Ytw-jDXp6DBxS6Tyu2_vgkxYeL_cR5dZpBAJVZnuFlrNac1yZY91SGItYU3JW0y-ykP7lgbYjzk93E3vXtat_4uizJuCu10rBCBsKlw4Ze/s1600/3df1821da4ee61084391dd6ac65a6e74.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="355" data-original-width="473" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiupyC25MTv7WRNN01RkkCvHw5OvvJI0PPGa_Ytw-jDXp6DBxS6Tyu2_vgkxYeL_cR5dZpBAJVZnuFlrNac1yZY91SGItYU3JW0y-ykP7lgbYjzk93E3vXtat_4uizJuCu10rBCBsKlw4Ze/s400/3df1821da4ee61084391dd6ac65a6e74.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Los cinéfilos de todo mundo lloramos desconsoladamente a nuestra "Ilsa", ella se marcho con esa maravillosa sonrisa y ese brillo en los ojos que enamoraron a Humphrey Bogart y al mundo entero en un café americano de Marruecos mientras sonaban las notas inmortales de "El tiempo pasará", sin embargo nadie se olvidó jamás de la etérea, rebelde y maravillosa Ingrid Bergman.</span></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipe0CQhoN96neCs6-YUS7AyGU8Gqu9OiFdh6Ku2xDIMF4gSdzgGZiuJnu2-Bj8ej20vQNPuaIuHbOQvyAtdJj2y3L-4acXms6AfGuI_Fov68_RTrA38idY8pkgmtRTPD9uEYWeQxEtIBqB/s1600/ingridbergman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="467" data-original-width="485" height="385" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipe0CQhoN96neCs6-YUS7AyGU8Gqu9OiFdh6Ku2xDIMF4gSdzgGZiuJnu2-Bj8ej20vQNPuaIuHbOQvyAtdJj2y3L-4acXms6AfGuI_Fov68_RTrA38idY8pkgmtRTPD9uEYWeQxEtIBqB/s400/ingridbergman.jpg" width="400" /></a></div>
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<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-10100202395659910482017-11-21T20:33:00.003+01:002017-11-21T20:40:11.447+01:00"Que verde era mi valle" (1941) John Ford<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvla5zz-OP-2hxLKP7cgiWXiCCkR9-Jtjh3rLDEugrYxcBjeag2iVhOJKp-_sf5hfgqYCs6Jhmr-3liNr9CvZEbqeBx3hJM1E8H447miSqFZLS22z30PCiyDdSl8QXwnAPVIMHh3eRdbtN/s1600/%2521Que-verde-era-mi-valle.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="287" data-original-width="200" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvla5zz-OP-2hxLKP7cgiWXiCCkR9-Jtjh3rLDEugrYxcBjeag2iVhOJKp-_sf5hfgqYCs6Jhmr-3liNr9CvZEbqeBx3hJM1E8H447miSqFZLS22z30PCiyDdSl8QXwnAPVIMHh3eRdbtN/s640/%2521Que-verde-era-mi-valle.jpg" width="445" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Esta maravillosa película, adaptación de la novela de Richard Llewellyn, encierra toda la sabiduría del maestro Ford y constituye una poética mirada a la Irlanda de sus ancestros a través de una historia magníficamente narrada donde cada secuencia es un retazo de la vida misma servida mediante un soberbio guión y unos personajes tan fuertes como el mundo que les rodea, arquetipos perpetuados a través de la mirada del niño Roddy McDowall , que no es sino el alter ego del propio Ford. Una</span><span style="color: blue; font-family: "georgia";"> conmovedora lección de cine de principio a fin, llena de detalles que conforman una obra redonda, sensible y ruda a la vez, llena de un lirismo que emociona y atrapa con su belleza y realismo.</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">El filme se apoya en el talento de unos actores que encajan en sus personajes como anillo al dedo. Donald Crisp como el patriarca de la familia de mineros, un hombre sencillo y noble que va sufriendo una transformación interna a medida que ve como los ideales en los que había crecido se derrumban, una inolvidable composición que le valió el Oscar al mejor secundario de 1941. Sara Allgod en el papel de la madre, el corazón del hogar como se alude a ella en la película, una mujer recia sostén de todas las alegrías y tristezas de los Morgan, representación de la fortaleza innata de todas las amas de casa del mundo luchando por la unidad y supervivencia familiar, algunas fuentes indican que John Ford se inspiró en el carácter de su propia madre para dar alma al personaje. La inolvidable Maureen O´Hara, actriz fetiche del director en su primera colaboración juntos, en el conmovedor personaje de Angharad, mujer temperamental que destaca en un mundo de hombres con su personalidad rebelde. Walter Pidgeon sobrio y contenido como el comprensivo clérigo de ideas socialistas que suscita la polémica de una sociedad sumida en la moralidad religiosa y el analfabetismo. Y redondeando el excelente reparto un Roddy McDowall de doce años, conductor de la línea emocional de la película en una interpretación tan natural y sensible como pocas veces ha dado un niño en la pantalla. Él es el alma de la película, el narrador que nos introduce con sus recuerdos en el pequeño pueblo Galés, haciéndonos ver la vida con sus ojos. Estas virtudes se hacen extensibles al resto de personajes secundarios, incluso los que tienen menos relevancia, ya que todos aportan un valor añadido en sus respectivos roles realzando el verismo y matizando la historia</span><br />
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<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">En cuanto a la dirección de Ford solo se puede calificar de excepcional, a pesar de que el proyecto fue abordado inicialmente por William Wyler, primera elección de la Fox para realizar la película. Sin embargo Ford hace suya la historia desde el inicio, ofreciendo una obra absolutamente personal que le acredita como un gran maestro a pesar de sus escasos 25 años, no solo en el ámbito del western, donde ya había dirigido títulos imperecederos como "La diligencia" (1939), sino a la hora de abordar diferentes géneros, si bien es cierto que desde esa óptica típicamente masculina del director donde incluso las damas de la función demuestran un carácter tan férreo e inconquistable como sus hombres, e incluso les superan en tenacidad y valor en ocasiones. La fotografía es magnífica, recreando la atmósfera brumosa y fatalista de la obra, lo mismo que aporta un toque realista a los pasajes más cotidianos o mantiene un carácter onírico en las secuencias más evocadoras.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDkUSSLpKbtdq0wkR3lETi_S2p2XdVBgCyxTZHBYiEF6M5GNBXaGS6SYwdkb4QhYvA1THGuMwO8IwuulEDHG39lCrankeI0r2BBrOwqfxgP8LlFMQ38mMfNQIjvwkIkpN74X4eqiqN5DD/s1600/verde2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="707" data-original-width="938" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWDkUSSLpKbtdq0wkR3lETi_S2p2XdVBgCyxTZHBYiEF6M5GNBXaGS6SYwdkb4QhYvA1THGuMwO8IwuulEDHG39lCrankeI0r2BBrOwqfxgP8LlFMQ38mMfNQIjvwkIkpN74X4eqiqN5DD/s400/verde2.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">Con tales premisas la película estaba destinada a convertirse en una de las triunfadoras en la entrega de los Oscars de 1941, año en que la competencia era feroz. Se alzó con la estatuilla a la mejor realización del año en competencia con títulos inmortales como "Ciudadano Kane", "La loba", "El sargento York", "El halcón maltés" o "Sospecha", obteniendo además las estatuillas relativas al mejor director (Ford), mejor actor secundario (Donald Crisp), mejor fotografía en B/N (Arthur Miller) y mejor decoración en B/N. Una obra maestra que justifica el amor por el cine de cualquier aficionado, ya que descubre nuevos detalles en cada revisión, sin dejar de sobrecoger al espectador con su humana y universal trama, conectando con sentimientos que todos atesoramos en la memoria vital del recuerdo.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1UTe2f0UknWc5mfOFaWZJzh4Gv5Ot6SlXWYPlkjb4zszc5sP_fPg_Q5uWz7bfwLUliyd-wLd0FsMTFWTIUKMq6-OPtMPF_BwH28PXjxEjBfY0xgaM7Ay44DSphB6lLDx1WHyImVzOeiwz/s1600/como-era-verde-o-meu-vale-filme-01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="350" data-original-width="600" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1UTe2f0UknWc5mfOFaWZJzh4Gv5Ot6SlXWYPlkjb4zszc5sP_fPg_Q5uWz7bfwLUliyd-wLd0FsMTFWTIUKMq6-OPtMPF_BwH28PXjxEjBfY0xgaM7Ay44DSphB6lLDx1WHyImVzOeiwz/s400/como-era-verde-o-meu-vale-filme-01.jpg" width="400" /></a></div>
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<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-41582165638756902172017-11-14T21:25:00.001+01:002017-11-14T22:48:00.130+01:00Filmoteca clásica... "Desayuno con diamantes" (1961) Blake Edwards<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMQ-bXYRwosJP84goDW1z3p1ITcc7mpLIoCcEoR0XvkGgjLYvIl8hOY1ZEyQyTiWvYTLkuGuIfk5FGDBAa2eMbil8FbRViqfjUk4oM2G8o03rE6u1U0Ppgm-TCvIcaU-UwZJyX2o2AR4JK/s1600/desayunodiamantes14.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1256" data-original-width="1600" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMQ-bXYRwosJP84goDW1z3p1ITcc7mpLIoCcEoR0XvkGgjLYvIl8hOY1ZEyQyTiWvYTLkuGuIfk5FGDBAa2eMbil8FbRViqfjUk4oM2G8o03rE6u1U0Ppgm-TCvIcaU-UwZJyX2o2AR4JK/s400/desayunodiamantes14.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Pocas actrices han quedado tan asociadas a un personaje como el de la protagonista de "Desayuno con diamantes" a Audrey Hepburn, sin embargo ella no fue la primera opción para dar vida a la díscola Holly Goligthly. El autor de la novela, Truman Capote, quería una actriz con una personalidad más carnal, decantándose por la explosiva, aunque frágil, sexualidad de Marilyn Monroe. En la novela original Holly es una adolescente bisexual, que ejerce la prostitución y tiene cierta tendencia al consumo de marihuana, Nada de esto se mostró abiertamente. En la película la protagonista es una joven frívola de moral desinhibida y liberal, amante de las juergas, con una marcada tendencia a devorar la vida y a rodearse de peligrosos amigos. Capote acusó directamente a Hepburn de dulcificar el personaje con el fin de no perjudicar su imagen cinematográfica, aunque nada esto importó lo más mínimo. Con su talento y encantadora personalidad Audrey se hizo limpiamente con el papel, enamorando a crítica y público, cualquier otra Holly hoy día resulta impensable. Desde su primera aparición con su silueta dibujándose entre los rascacielos de Manhattan enfundada en un célebre vestido negro de Givenchy, café y bollo en mano frente al escaparate de Tiffany´s se convirtió en icono de modernidad de los años sesenta y en historia del cine.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioPYq6FgtGp1-hsCXGC-HM-IQjFBzFPOucSQwImN4ypSMwpERjLIt600EYbzOmx_ZyuUl10OvgnzoUjfc-rhbxwDmn2GVNQa-xaTsFt8BB5cSRALCUiB39zyt4YGaOJrgyRVceCZPtkMZt/s1600/audrey_hepburn_7386_620x822.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="822" data-original-width="620" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioPYq6FgtGp1-hsCXGC-HM-IQjFBzFPOucSQwImN4ypSMwpERjLIt600EYbzOmx_ZyuUl10OvgnzoUjfc-rhbxwDmn2GVNQa-xaTsFt8BB5cSRALCUiB39zyt4YGaOJrgyRVceCZPtkMZt/s640/audrey_hepburn_7386_620x822.jpg" width="482" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">A su lado George Peppard, el célebre Hannibal de la televisiva "El equipo A", en su papel de escritor que se dedica a prestar sus encantos a adineradas señoras de la alta sociedad neoyorquina como modo de sustento vital, que acaba por enamorarse del temperamento original e indómito de Holly, el único que sabe ver en ella más allá de su máscara alocada, descubriendo una enorme tristeza que le hace vivir en una continua huida hacia adelante por miedo a la soledad. El elegido para este personaje tampoco sería inicialmente Peppard sino Steve McQueen ,otro de los rebeldes de Hollywood, que no pudo hacerse cargo del mismo por haber contraído previamente otros compromisos. Hay que decir que Peppard está fantástico brindando la que sería su interpretación más conocida en la gran pantalla.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgadyO6I-B_4iZPvRij-som8eGfCAxFdDg39QEuE4Y_G9g_BSPM0jYBlW5taNkpoIPYR61ABcuAhnKE9N5kt37HYTdyzBY3oeIgkIpihYCYJWI9DrFXzktcGeKX1AKaOqFkLAs366RrClbM/s1600/msdbrat_ec016_h.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1215" data-original-width="1600" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgadyO6I-B_4iZPvRij-som8eGfCAxFdDg39QEuE4Y_G9g_BSPM0jYBlW5taNkpoIPYR61ABcuAhnKE9N5kt37HYTdyzBY3oeIgkIpihYCYJWI9DrFXzktcGeKX1AKaOqFkLAs366RrClbM/s400/msdbrat_ec016_h.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">Redondeando el resultado la magnífica dirección de Blake Edwards y como guinda la música de Henry Mancini con una canción inmortal, "Moon river", que Audrey interpretaba melancólica y apasionada a la vez. El propio Mancini reconocía que de los cientos de versiones que se habían realizado de esta melodía, obra maestra de la música ligera americana, prefería por encima de todas la de Hepburn, aludiendo que ella canto la letra entendiendo todo el espíritu implícito en la partitura. "Desayuno con diamantes" es pues uno de esos títulos en los que todos los elementos se unen para crear auténtica magia, grabando cada una de sus imágenes en la memoria sentimental del espectador. Una obra que causa placer revisar y atrapa en cada sesión como la primera vez.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKAK8rBFSUSlQlEMaItx5MMyD1T_QIYnvS21CSJBcWXkyd4a14ESdbPcJQWT6-wr4K8ynd7iNoLiIHiFPUkwWFCq1j6eShYpSHqpTSm6rEASPaGLcpviaf4Hmj_spW6SDLI6pVwMondgKd/s1600/dcd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="405" data-original-width="529" height="244" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKAK8rBFSUSlQlEMaItx5MMyD1T_QIYnvS21CSJBcWXkyd4a14ESdbPcJQWT6-wr4K8ynd7iNoLiIHiFPUkwWFCq1j6eShYpSHqpTSm6rEASPaGLcpviaf4Hmj_spW6SDLI6pVwMondgKd/s320/dcd.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span>Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-44384006969261037422017-11-03T21:45:00.005+01:002017-11-19T10:55:18.846+01:00FILMOTECA CLÁSICA... "LOS TRES MOSQUETEROS" (1949) GEORGE SIDNEY<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiavv03vJw76XmbdpLVAz1QgkSXAk-GOY15uNMX4sNQNNfjolhd5oB6wvo7o4lq1peU5mncrX3nWkzFK8X3fXs9c9iP9lVwy4whmCWIHUmBYzNjKxhT427hhW52j5nDSQzbE-wdTNa9XR6O/s1600/Poster+-+Three+Musketeers%252C+The+%25281948%2529_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1076" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiavv03vJw76XmbdpLVAz1QgkSXAk-GOY15uNMX4sNQNNfjolhd5oB6wvo7o4lq1peU5mncrX3nWkzFK8X3fXs9c9iP9lVwy4whmCWIHUmBYzNjKxhT427hhW52j5nDSQzbE-wdTNa9XR6O/s640/Poster+-+Three+Musketeers%252C+The+%25281948%2529_01.jpg" width="430" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;">Esta magnífica cinta prodigio de entretenimiento, se alza como una perla más en la corona del cine de aventuras del Hollywood clásico. Constituye un soberbio espectáculo lleno de esplendor, una producción cuidada al detalle en la que no falta nada de lo que uno espera ver en un filme de estas características. Excelente ambientación, bellísimos interiores, lujoso vestuario y una historia llena de acción y ritmo perfectos, cuya responsabilidad recae en la sabiduría de su director y el talento de su protagonista Gene Kelly, responsable de los duelos a espada que coreografió como si fuesen divertidos ballets, llenos de saltos y desbordante vitalidad, en los que lucir sus magníficas facultades acrobáticas. A pesar de encontrarse fuera de su habitat natural Kelly se rebela como el D´Artagnan perfecto, lleno de ingenuidad, frescura y encanto, ofreciendo una interpretación incontaminada, lejos de divismos, con la ilusión de un principiante a pesar de ser ya una figura consolidada y una estrella musical.</span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAG_GEhlaBtcf3wj-BEzClPOip0kprnFLC3mDFrEvS8Fhh2nuMJOFFeuTor3mm8qfk8ck8G2bqTOaUCi6V7PfvN8fB8959G89CbJbbhXZmLAJ4ObRe6h8ryzNvNFi-8ogAa8Kpbah35mHu/s1600/MO+10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="620" data-original-width="850" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAG_GEhlaBtcf3wj-BEzClPOip0kprnFLC3mDFrEvS8Fhh2nuMJOFFeuTor3mm8qfk8ck8G2bqTOaUCi6V7PfvN8fB8959G89CbJbbhXZmLAJ4ObRe6h8ryzNvNFi-8ogAa8Kpbah35mHu/s400/MO+10.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /></span><br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">El formidable reparto es sin duda uno de los platos fuertes de la película. Lana Turner nunca estuvo más adecuada que en el papel de la pérfida y bellísima My Lady. Sidney supo sacar un formidable partido a la glamurosa imagen de la estrella, convirtiéndose en uno de los principales atractivos de su personaje, acentuando su temperamento ambicioso y seductor, peligrosa "mantis religiosa" que envuelve a sus víctimas en la peligrosa treta de su despiadada belleza. Vicent Pride da vida al perverso Cardenal Richelieu, un personaje manipulador y lleno de cinismo que es casi el diablo vestido de rojo, casi un anticipo de sus terroríficos papeles en el género fantástico y de terror. En las antípodas, compensando tanta maldad, la candorosa June Allyson presta su rostro pecoso y adorable a una conmovedora Constanza, frágil criatura amenazada en este juego de intrigas palaciegas. El resto de secundarios pertenecen a lo mejor de la escudería Metro en un momento en el que la productora presumía de tener "más estrellas que en el cielo", a juzgar por el talento reunido en esta película nadie pondría en duda tal afirmación. Destaca entre todos ellos un atormentado Van Heflin como el descreído y bebedor Athos, en una interesante composición dramática poco habitual en filmes de aventuras, robando la función a los protagonistas en varias ocasiones, apuntando una dimensión más profunda y adulta al personaje que le cae en suerte interpretar. <br />
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</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb9alQ7P9I3kdk8vD_oN0SDGF_-KDhG_y4qyPrv4ikDKJUOrXNMKh_lagfAKrMSQS0ZMMztS7qWiU0kM22-Yv6R1y_rLKOugS8h6nX6BuKXSFYCe475cYcrhC-EgVgRWKninzYYDBnmzFb/s1600/18882967_jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="553" data-original-width="495" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb9alQ7P9I3kdk8vD_oN0SDGF_-KDhG_y4qyPrv4ikDKJUOrXNMKh_lagfAKrMSQS0ZMMztS7qWiU0kM22-Yv6R1y_rLKOugS8h6nX6BuKXSFYCe475cYcrhC-EgVgRWKninzYYDBnmzFb/s320/18882967_jpg-r_1280_720-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" width="286" /></a></span></div>
<br />
<br />
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><br /><br />
La fotografía en Technicolor es excelente y la puesta en escena formidable. El ritmo narrativo con el que George Sidney pone en imágenes la historia da cuenta del formidable talento de un profesional gran conocedor de su oficio y la industria, manejando todos los elementos con destreza en busca de un resultado espectacular, en el que la ambientación es tan protagonista como los actores que dan vida a los inmortales personajes de Dumas. Sin duda alguna esta es la novela más conocida del autor francés y la que más veces ha sido adaptada al cine en sus diferentes variantes, desde la etapa silente hasta la actualidad, con desigual resultado. El título que nos ocupa es sin duda uno de los más brillantes, aunque se conceda algunas licencias sobre el original.<br />
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</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFicAU0EwEijGMjPUMXYEf5JtHZmX2kn48ZlyoOy2uPvil57vAv2MB0Q39bvKctYCX-8WFsRu-zAnnVXt3Ma3fyOzO79Dq_YNQRXicNchbi8JmmJn8Fbn9s9OmTBXLFISN3V9_xG-O4j_Z/s1600/MO+24.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="415" data-original-width="555" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFicAU0EwEijGMjPUMXYEf5JtHZmX2kn48ZlyoOy2uPvil57vAv2MB0Q39bvKctYCX-8WFsRu-zAnnVXt3Ma3fyOzO79Dq_YNQRXicNchbi8JmmJn8Fbn9s9OmTBXLFISN3V9_xG-O4j_Z/s320/MO+24.jpg" width="320" /></a></span></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";">
<br /><br />
Incomprensiblemente fue olvidado por la Academia en la entrega de los Oscars de aquel año, ni siquiera obtuvo mención en las categorías llamadas "menores" para las que solían ser nominados este tipo de filmes. Una inolvidable película de las que ya no se hacen, producto de las mejores virtudes del "sistema de estudios" que nos convierte de nuevo en niños durante las dos horas de proyección.<br />
<span lang=""><br /><br />
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</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><span lang=""><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3M2tUVpDZkkWBFsHfRvU_RxPTO2VDROwenB3nKnm2ObC5fJTCg4RG6GQGsAvMOby93VgprcE_U1n9YI7hEVckY4lqBUcYFJzoRwNc0nXFm9wLj3Vd6kkz_S4R0cIGorEXHDXkQi09X3WW/s1600/imagesGB4FJ8KN.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="193" data-original-width="262" height="294" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh3M2tUVpDZkkWBFsHfRvU_RxPTO2VDROwenB3nKnm2ObC5fJTCg4RG6GQGsAvMOby93VgprcE_U1n9YI7hEVckY4lqBUcYFJzoRwNc0nXFm9wLj3Vd6kkz_S4R0cIGorEXHDXkQi09X3WW/s400/imagesGB4FJ8KN.jpg" width="400" /></a></span></span></div>
<span style="color: blue; font-family: "georgia";"><span lang="">
<br /><br />
<br /><br />
<br /><br />
</span></span><br />
<br />
<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-77643074281437381142017-07-12T12:11:00.005+02:002017-07-12T12:12:08.078+02:00CON ACENTO ESPAÑOL... PAQUITA RICO<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1PB7M7XJghnGJJXkOUbFrft9brKG0P_wIsB9mHU6QnePZX0a6UeJWmdehWbXVzaT27xouvp8qlZC8PMWMMv1X3jl-wb2Oq-qy6i0mxr0IGqchxeXlYrSq7oYMAxxvAFsF71RrR1JY2q7M/s1600/paquita-rico-04.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="853" data-original-width="640" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1PB7M7XJghnGJJXkOUbFrft9brKG0P_wIsB9mHU6QnePZX0a6UeJWmdehWbXVzaT27xouvp8qlZC8PMWMMv1X3jl-wb2Oq-qy6i0mxr0IGqchxeXlYrSq7oYMAxxvAFsF71RrR1JY2q7M/s400/paquita-rico-04.jpg" width="300" /></a></div>
<br />
<span style="font-family: "calibri";">Es uno de los rostros más bellos de nuestro cine y una de
sus artistas más personales. Fue una folklórica eminentemente cinematográfica,
se dio a conocer y triunfo principalmente a través de las películas que
interpretó, aunque como todas ellas su temprana vocación le llevó a una
incipiente carrera por teatrillos y ferias desde corta edad antes de su
irrupción en la pantalla, recalando entre otros en el Ballet del Marqués de
Montemar y la compañía de Pepe Pinto, donde debutó con el nombre de “La
trianera de Bronce”. </span><br />
<span style="font-family: "calibri";"></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMyxgHzTptz6chsOK10o-mViYxutV1Cpanqzr-Gmxa_M2LosJSZUpGEV5HQrlc7zwzZ49R-EXfwU8D-KN-SdeBXhYnRGA3bp8brN_xl289LgzstJ4qXeytikTFf3S3MvlVMBm6R8yxLsGY/s1600/MV5BYjAwYzc5ZjUtOWFhOS00ZTQyLWE3MGYtZjA4NGQ0YTQwZGYzL2ltYWdlXkEyXkFqcGdeQXVyNTUyMTMyMDg%2540__V1_UX214_CR0%252C0%252C214%252C317_AL_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="317" data-original-width="214" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMyxgHzTptz6chsOK10o-mViYxutV1Cpanqzr-Gmxa_M2LosJSZUpGEV5HQrlc7zwzZ49R-EXfwU8D-KN-SdeBXhYnRGA3bp8brN_xl289LgzstJ4qXeytikTFf3S3MvlVMBm6R8yxLsGY/s400/MV5BYjAwYzc5ZjUtOWFhOS00ZTQyLWE3MGYtZjA4NGQ0YTQwZGYzL2ltYWdlXkEyXkFqcGdeQXVyNTUyMTMyMDg%2540__V1_UX214_CR0%252C0%252C214%252C317_AL_.jpg" width="270" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">Al igual que su coetánea y amiga Carmen Sevilla buscaba en
el medio cinematográfico un trampolín donde lucir su arte y mejorar su estatus
económico y al igual que ella se presentó a varias pruebas hasta que Florián
Rey la seleccionó para protagonizar una película homenaje al llorado diestro
cordobés Manuel Rodríguez Sánchez, <em>“Brindis a Manolete” (1948),</em> desde ese
momento no paró de rodar una película tras otra. La cámara la adoraba… Su voz y
gracia sevillana hicieron el resto. </span><span style="font-family: "calibri";">El director gallego Ramón Torrado sería su auténtico
Pygmalion, a sus órdenes rodó seis películas muy populares que la situarían en
primera línea del cine folklórico de los años cincuenta y le brindó su primer
éxito de masas <em>“Debla, la Virgen Gitana” (1949)</em> con la que se presentó en el
festival de Cannes, obteniendo la Copa de Popularidad de aquel certamen. A
partir de entonces pasó a formar parte de las filas del productor Cesáreo
González, donde junto a sus comadres Lola Flores y Carmen Sevilla propició lo
que se vino en llamar “el filón del osú” al ser las figuras del género más
populares y con mayor proyección de aquellos años representantes de un tipo de
cine donde imperaban los volantes y la pandereta, sentando patria no solo en
nuestro país sino también en América Latina, donde el productor gallego se
llevó a sus estrellas de gira con una promoción a gran escala que incluía
coproducciones con los países de habla hispana, principalmente México y
Argentina. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";"></span> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_ztBWbUsANTAr82dPNDy3d8MJeJOTIsyu20fmgJA2RLWyjeNN2EyXPCqi57Ur_UoVSygxvT-lkzuzsl9prRbQp-wpJnElzx6FTWIUbE1IpQ8S7OTQ7MlOpMnrgJHEHcpWU_vhNtjpQs8g/s1600/462161_jpg-c_215_290_x-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="290" data-original-width="215" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_ztBWbUsANTAr82dPNDy3d8MJeJOTIsyu20fmgJA2RLWyjeNN2EyXPCqi57Ur_UoVSygxvT-lkzuzsl9prRbQp-wpJnElzx6FTWIUbE1IpQ8S7OTQ7MlOpMnrgJHEHcpWU_vhNtjpQs8g/s400/462161_jpg-c_215_290_x-f_jpg-q_x-xxyxx.jpg" width="296" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">Al margen de sus películas folklóricas Paquita dejó atisbar
un interesante talento dramático en otros títulos de diferentes pretensiones y
enfoque como <em>“Luna de sangre” (1950)</em> de Rovira Beleta o <em>“María Morena” (1951)</em>
firmada al alimón por José Mª Forqué y Pedro Lazaga, aunque resultasen dos
intentos fallidos en su momento y su carrera continuase centrada en el salero y
la sal del cine andaluz al uso.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyHe0kRWUbYzlA_JoWn3aYi6MzoL28wEF2z9Yx6u0LU8N-D41sc4_YlXEe0nR5r4Juojgg7QaJZ8dt7YDuqdSzQ5AeboMLf6tHPqXurejxzfIwe1vlgJBd1U65m0uduaFxNYOIEYH3Sobo/s1600/MV5BNjBhN2E1ZmQtNTNhOC00NTBkLThkMmEtMjdmYzcwZGM2OWY1L2ltYWdlXkEyXkFqcGdeQXVyNzA4ODc3ODU%2540__V1_.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="567" data-original-width="356" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyHe0kRWUbYzlA_JoWn3aYi6MzoL28wEF2z9Yx6u0LU8N-D41sc4_YlXEe0nR5r4Juojgg7QaJZ8dt7YDuqdSzQ5AeboMLf6tHPqXurejxzfIwe1vlgJBd1U65m0uduaFxNYOIEYH3Sobo/s400/MV5BNjBhN2E1ZmQtNTNhOC00NTBkLThkMmEtMjdmYzcwZGM2OWY1L2ltYWdlXkEyXkFqcGdeQXVyNzA4ODc3ODU%2540__V1_.jpg" width="250" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">En busca de dar un giro a su carrera acepta interpretar el
papel de la reina Mª de las Mercedes en aquel éxito memorable que fue <em>“¿Dónde
vas Alfonso XII?” (1958)</em> dirigida muy inteligentemente por Luis César Amadori,
alcanzando la inmortalidad. El público enloqueció ante aquella recreación
romántica de unos amores reales de leyenda y Paquita logró la consagración
artística, fijando su imagen a la de aquella reina tan delicada y sensible
abocada a un fatal desenlace. Paradójicamente el éxito de la película puso a su
estrella junto a las cuerdas, ya que la identificación con el personaje era tal
que estuvo casi dos años sin recibir ofertas de trabajo.</span> </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2i-U5kFgpw0d3pJSzv9w_ggXk1jwTBC_tCFJlK6erQQMIvtApLhqr4-jp0dORGYGAomHNTO38or155UFvL5hocGKPbzxiW2u5Wgz5aC5Nao6LPwERSEyyhgnQNfgn8ovnGD-uQ4VHOeRp/s1600/Paquita-Rico-vas-Alfonso-XII_1152794710_70643380_667x375.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="375" data-original-width="667" height="223" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2i-U5kFgpw0d3pJSzv9w_ggXk1jwTBC_tCFJlK6erQQMIvtApLhqr4-jp0dORGYGAomHNTO38or155UFvL5hocGKPbzxiW2u5Wgz5aC5Nao6LPwERSEyyhgnQNfgn8ovnGD-uQ4VHOeRp/s400/Paquita-Rico-vas-Alfonso-XII_1152794710_70643380_667x375.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";"><o:p></o:p></span> </div>
<span style="font-family: "calibri";">Su regreso a las pantallas se produjo bajo una línea
diferente, más moderna, en la que intentó resaltar su faceta de actriz por
encima de la de cantante en títulos como <em>“Ventolera” (1961)</em>, según una comedia
de los Álvarez Quintero, <em>“La viudita naviera” (1961)</em> adaptación de una obra de José
Mª Pemán o la producción dramática <em>“Historia de una noche” (1963),</em> pero en los años
sesenta el tipo de cine que representaba se estaba agotando, dando paso a un
modelo diferente en el que Paquita no acabó de encontrar su lugar. <o:p></o:p></span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx1SJQfSIeWvBxjGdtVlPPRfllxeC8Km01hB-uLgKWxhPHm19W80K533N9WQuc3C2RkRS3xpkbcw7tebUXGJiaVP0JPowVO0XrNKCo9fxHfPacvOO0bY9KBxkVmxVuh6nnQQMEj-J6WQYp/s1600/03paquita_galeria_landscape.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="413" data-original-width="550" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx1SJQfSIeWvBxjGdtVlPPRfllxeC8Km01hB-uLgKWxhPHm19W80K533N9WQuc3C2RkRS3xpkbcw7tebUXGJiaVP0JPowVO0XrNKCo9fxHfPacvOO0bY9KBxkVmxVuh6nnQQMEj-J6WQYp/s320/03paquita_galeria_landscape.jpg" width="320" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">Tras protagonizar junto a Carmen y Lola el polémico <em>“Balcón
de la luna” (1962)</em>, su presencia en el cine se fue espaciando hasta limitarse a
pequeñas colaboraciones, algunas interesantes como su papel en la coproducción
italiana <em>“Las Otoñales” (1964),</em> poniendo punto final a su trayectoria en cine
con la astracanada histórica <em>“El Cid cabreador” (1983),</em> protagonizada por el
domador de circo Angel Cristo y extrañamente la musa del nuevo cine español
Carmen Maura.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHcpaAXuQu7OaiqHWnhvOexJyUvB2q-GulWfOTq1k4G4v7n7Q7F5Vnh3Xeknknat8mlJnMV63pwxkcm_2qU3_HPeg0Cm_54vSY6HofEfTBzXRf9wAbF6Mcoe9ZfjYUzO4Rw53cS4-eprV3/s1600/PAQUITARICO3OK.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="879" data-original-width="606" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHcpaAXuQu7OaiqHWnhvOexJyUvB2q-GulWfOTq1k4G4v7n7Q7F5Vnh3Xeknknat8mlJnMV63pwxkcm_2qU3_HPeg0Cm_54vSY6HofEfTBzXRf9wAbF6Mcoe9ZfjYUzO4Rw53cS4-eprV3/s320/PAQUITARICO3OK.jpg" width="220" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">Al margen de su carrera en cine, Paquita desarrolló una
interesante actividad teatral protagonizando alguna obra ambiciosa como “Bodas
de sangre”, donde obtuvo formidables críticas o espectáculos pensados para su
lucimiento como cantante como “Ella”.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnRhGqdAdoftiy8v4eBC9Oxf91f7EkQZOgRsf_PYPhzpI31u2R6GAoi3dzHtfZKEcfAh4vrM5W-H6oj2NqOdD9tb7OYO5dMCdEctL1s0rj4cI1BeKftCBTdQ37WYVrls2w7r6jQupBSUv5/s1600/paquita-rico3-z.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="817" data-original-width="700" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnRhGqdAdoftiy8v4eBC9Oxf91f7EkQZOgRsf_PYPhzpI31u2R6GAoi3dzHtfZKEcfAh4vrM5W-H6oj2NqOdD9tb7OYO5dMCdEctL1s0rj4cI1BeKftCBTdQ37WYVrls2w7r6jQupBSUv5/s400/paquita-rico3-z.jpg" width="342" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 0cm 10pt;">
<span style="font-family: "calibri";">Se nos acaba de ir el pasado 10 de Abril con 87 años de
edad, pero en el recuerdo siempre quedará su elegancia y delicadeza
interpretativa y su rostro perfecto enmarcado en las notas de ese “Romance de
la Reina Mercedes” que fue su canción bandera y que nadie interpretó con tanto
sentimiento como ella, quizás porque entendía mejor que nadie la historia de
aquella soberana, que como ella quedará para siempre en la memoria de un
romance popular.<o:p></o:p></span></div>
Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-36860137338378436352017-07-10T22:56:00.005+02:002017-11-19T11:03:21.197+01:00FILMOTECA CLÁSICA... "ROBIN DE LOS BOSQUES" (1938) MICHAEL CURTIZ<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieS5CkV-nFexlx5oZr05OuImEyBlsbRQOPc7v4QBCEvP5IKnBmv7DNkbFdo9bmYs8VAG9zz7ukk3pPHhbch4zr4cNVpjgqIooY_BlPIUaW4LwQVYVj88_s25EtcpyZqDM3NbqVXjudpvEo/s1600/EsyIb.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1040" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieS5CkV-nFexlx5oZr05OuImEyBlsbRQOPc7v4QBCEvP5IKnBmv7DNkbFdo9bmYs8VAG9zz7ukk3pPHhbch4zr4cNVpjgqIooY_BlPIUaW4LwQVYVj88_s25EtcpyZqDM3NbqVXjudpvEo/s640/EsyIb.jpg" width="416" /></a></div>
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Este es sin duda uno de los títulos preferidos por los seguidores del cine de aventuras y uno de los mayores exponentes de “capa y espada”. Contiene todos los ingredientes sobre los que se construyó el género llevados a la perfección técnica y artística, creando una influencia directa sobre el resto de títulos posteriores. Si además añadimos el irresistible encanto de sus protagonistas, el magnífico uso del color, la ambientación y tratamiento de la historia, tenemos un filme redondo que nos traslada a un cuento medieval teñido de mágico romanticismo que lo eleva a leyenda.<br />
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La historia del arquero de Sherwood que lucha a favor del Rey Ricardo en contra de su pérfido hermano, el Príncipe Juan, fue uno de los temas favoritos de la pantalla desde los albores del cine mudo. Antes del filme de Curtiz, existía un ilustre precedente, “Robín de los Bosques” (1922) de Allan Dwan, protagonizado por Douglas Fairbanks el aventurero por antonomasia de la etapa silente. La interpretación del personaje llevada a cabo por Fairbanks era un referente muy querido para el público. Sin embargo la encarnación de Errol Flynn borró de un plumazo su recuerdo. La apostura, dinamismo y frescura interpretativa del actor australiano causó impacto en las pantallas de todo el mundo, su aparición sobre un árbol con calzas verdes, bigote perfilado enmarcando una pícara sonrisa y arco en mano, marcó toda una época de la aventura cinematográfica, haciendo suya la figura del héroe legendario de por vida. Ninguno de los actores que posteriormente se han metido en la piel de Robín de Locksley, se han acercado siquiera al encanto y hechizo que Flynn imprimió al personaje, quizás tan solo el Robín de Kevin Costner a principios de los noventa se acercó a esta visión, aunque desde una perspectiva muy diferente y sin lograr de lejos su impacto.<br />
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La Warner Bros abordó el proyecto como una producción de altos vuelos, lo cual se nota en el resultado. Costó cerca de 2 millones de dólares de 1938, siendo la película más cara rodada hasta esa fecha por la productora y una de las más costosas del Hollywood de los años 30. Rodada en luminoso Technicolor un poderoso reclamo para la época, terminó de consolidar a Flynn y Olivia de Havilland como una las parejas ideales de la pantalla. Olivia no solo era una mujer bellísima, sino que además era una fantástica actriz. Olivia infundió fuerza y personalidad a Lady Mariam, más allá de la dulzura y delicadeza propias de este tipo de roles destinados a ser tan solo el dulce reposo del guerrero. <br />
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Juntos no solo formaban una hermosa pareja, además sus personalidades se complementaban con una química que quedaba reflejaba en la pantalla. El estudio consciente de su impacto aprovechó esta circunstancia a lo largo de siete películas que conformaron todo un ciclo inmortal de la aventura cinematográfica. Parece ser que Errol mantuvo una especie de amor romántico por su dama, que esta no correspondió a consecuencia de la vida crápula y disipada de su Robin, en cualquier caso Olivia siempre mantuvo palabras amables y cariñosas hacía Flynn, recordando esa etapa de la Warner como un momento esencial en su incipiente carrera, que alcanzaría cotas muy altas en los siguientes años. <br />
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No podemos dejar de nombrar a los “malos” de la función, los magníficos Basil Rathbone y Claude Rains, como el malvado sheriff de Nottingham y el desleal Juan sin Tierra respectivamente. Ambos son el retrato perfecto de la villanía. Rains dota al odioso Príncipe Juan de un perverso sentido del humor que le hace aún más despreciable y lunático. En cuanto a Basil Rathbone, uno de los especialistas en villanos del Hollywood clásico, recordar el inolvidable duelo final a espada con el protagonista, momento inmortal y referente imitado a lo largo de toda la historia del género. <br />
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Con todos estos elementos la película se convirtió en un enorme éxito de público, recaudando más de cuatro millones de dólares de la época. Fue nominada en 4 categorías a los premios Oscars de este año triunfando en tres de ellas, las relativas a música original, dirección artística y montaje.<br />
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Un título redondo que ha hecho soñar desde su estreno a generaciones enteras de espectadores, sentando un referente en su género y en el del Hollywood clásico, hasta el punto de convertirse en un filme de culto al ser seleccionada en 1995 por la Biblioteca Nacional del Congreso Americano como uno de los filmes a preservar en el National Film Registry junto a “El mago de Oz” o “Ben Hur” entre otros.<br />
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<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-17372891595868942052017-07-07T15:06:00.000+02:002017-11-19T11:05:13.503+01:00CINE EN LA RETINA... "THE HEATHER ON THE HILL", EL ROMANTICISMO POÉTICO DEL MUSICAL...<br />
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Pocas veces se vio en la pantalla un modo tan poético y sutil de expresar el amor romántico a través del baile y la música como en este <em>"Heather on the Hill"</em> de <em>"Brigadoon",</em> en el que una bellísima Cyd Charisse y un soberbio Gene Kelly ponen su talento y técnica incuestionable al servicio del argumento, creando con sus movimientos un lirismo y hechizo irresistibles, llenando la pantalla de magia en una combinación perfecta donde la coreografía hace uso del paisaje (recreado en estudio) como un elemento más que sublima el momento y lo convierte en onírico, como parte de cuento de hadas. <br />
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El director Vincente Minnelli, conocido como el mago del buen gusto, hace uso de su conocida pericia en el tratamiento de la fotografía, el color, el vestuario y el resto de elementos presentes en el plano, para retratar la secuencia a su estilo impecable. La cámara se mueve entre los personajes, danzando con ellos, recurriendo la colina de cartón piedra como si intuyera y abrazara de manera espontánea su baile, haciéndose cómplice del instante que están viviendo, transmitiendo lo que sienten sin necesidad de diálogo, solamente contemplando lo que está ocurriendo al acercarse, alejarse y fundirse con cada uno sus pasos...<br />
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Un número clásico absolutamente delicioso.<br />
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<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-22663555421605359332017-04-08T20:42:00.001+02:002017-11-19T11:20:08.346+01:00CON ACENTO ESPAÑOL... AURORA BAUTISTA<br />
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Pocas actrices causaron un impacto tan grande en la industria española como está trágica vallisoletana, emigrada desde muy pequeña a Barcelona, con su primera intervención en la pantalla. De la noche a la mañana se convirtió en estrella gracias al personaje de Juana I de Castilla, alías "La loca", en unos de los títulos clave de la historia de nuestro cine, esa <i>“Locura de amor” (1948)</i> tan carpetovetónica y controvertida como el cine de su director, Juan de Orduña, experto en crear estrellas cinematográficas como demuestran los casos de Sara Montiel, Juanita Reina o Jorge Mistral entre otros. Aquel tremendo dramón, adaptación de la obra homónima de Tamayo y Baus, se convirtió en un éxito fulminante consagrando a su protagonista e instaurando un modelo interpretativo grandilocuente y excesivo que causo furor en la época, en el que sin duda alguna Aurora Bautista fue su máximo exponente, tanto en cine como en teatro con obras como “<i>Fuenteovejuna”, “Antígona”, “Medea”</i> y un largo etcétera.<br />
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Si <i>“Locura de amor” </i>la convirtió en la actriz más popular de aquellos años, sus dos siguientes títulos a las órdenes de Orduña <i>“Pequeñeces” (1949)</i> y <i>“Agustina de Aragón” (1950)</i> fijaron su imagen en la historia del cine español, convirtiéndose (parece ser que muy a su pesar) en la representante de un género vetusto y ampuloso que sería el sello de la productora Cifesa, el estudio más importante alumbrado por la industria española, con un modelo de producción similar al de Hollywood, que incluía contratos a largo plazo con los artistas más importantes del momento, impresionantes promociones, platós bien equipados y equipos técnicos bajo contrato. Para bien o para mal estas películas marcaron la tónica general de toda una época del cine español y Aurora permaneció tan asociada a los mismos como el cañonazo de Agustina, la locura de la reina Juana o los salones decimonónicos de la Marquesa Currita Albornoz.<br />
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Con tan solo tres títulos la Bautista se sitúa a la cabeza de las actrices del momento, favorita del público y la industria deseosa de contar con su colaboración. Sin embargo ella aspiraba a significar algo más en otro tipo de cine más moderno y de mayor prestigio artístico que el que le ofrecía la producción española de aquellos años. Intentando huir del encasillamiento, la actriz rompe la colaboración con Orduña, que le había ofrecido protagonizar <i>“La leona de Castilla” (1951) </i>su siguiente proyecto histórico, y fija su mirada en la revelación que supuso <i>“Cielo negro” (1951)</i>, un intento de cine realista y con una estética muy diferente al resto de la producción española. Con esta premisa busca ser dirigida por Manuel Mur Oti, realizador de aquel título, sin embargo <i>“Condenados” (1953)</i> un drama rural anodino y falto de interés supone una experiencia fallida que hace que Aurora desencantada del cine vuelva los ojos hacia la escena interpretando a las órdenes de Tamayo y Luis Escobar una seria de obras clásicas y contemporáneas que mantienen su estatus artístico durante toda la década de los 50 en la que apenas se asoma a la pantalla.<br />
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A principios de los años 60 regresa al cine de nuevo bajo la dirección de Orduña con un ambicioso proyecto que narraba la vida y milagros de Santa Teresa de Ávila, sin embargo “<i>Teresa de Jesús” (1961)</i> se convierte en otro filme fallido, rodado fuera de tiempo, condicionado por un estilo narrativo pasado de moda, completamente ajeno a los nuevos aires que impulsaban el cine español y lastrado por la opresiva presencia de la censura franquista que mutila sin piedad el guión original a pesar de haber obtenido el beneplácito del mismísimo Vaticano.<br />
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Viendo truncadas de nuevo las expectativas de recuperar su estatus en la pantalla a través de un proyecto interesante y de calidad, la actriz marcha a México donde contrae matrimonio. A su regreso a España obtiene de nuevo un éxito, esta vez unánimemente aclamado, en la que habría de convertirse en su mejor película, <i>“La tía Tula” (1964)</i> dirigida por Miguel Picazo, quién a pesar de acoger su elección con reservas se deshizo en parabienes con ella tras contemplar el resultado. En el papel de la solterona de provincias, acosada por su cuñado viudo y sometida a los convencionalismos opresivos de una sociedad puritana y tradicional, Aurora ofreció una magnífica interpretación llena de matices y muy alejada de su registro habitual. En adelante Tula se convertiría en su papel más significativo y en el filme preferido de la actriz.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYkZL8DkQGsaYi5pqmb-fvAXVBa4IeLOHrOl7iA8KQ5JElwS_1Qmu5oxiMRXj-xtA5wpAgYk0aYPf4IAtjZIrhzbPyulFdyMt2y_43yoZl5bFQ0PWrnHx9PUipSbb8zgl9XwaeGtfgmtUm/s1600/1412348414422.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYkZL8DkQGsaYi5pqmb-fvAXVBa4IeLOHrOl7iA8KQ5JElwS_1Qmu5oxiMRXj-xtA5wpAgYk0aYPf4IAtjZIrhzbPyulFdyMt2y_43yoZl5bFQ0PWrnHx9PUipSbb8zgl9XwaeGtfgmtUm/s400/1412348414422.jpg" width="400" /></a></div>
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Tras esta alentadora experiencia poco más daría de sí su carrera cinematográfica a excepción de algún éxito aislado como el culebrón <i>“El derecho de nacer” (1964)</i> rodado en tierras mexicanas, como la muchacha de buena sociedad que se ve obligada a renunciar a su hijo bastardo e ingresa en un convento movida por el remordimiento, reencontrándose con el hijo ya adulto en una dramática y conmovedora escena, de fácil efecto para corazones sensibles. A mediados de la década de los 80 brindaría extraordinarias interpretaciones, ya como característica en papeles secundarios en títulos como <i>“Extramuros” (1985), “Divinas palabras” (1987) </i>o la divertida comedia "<i>Amanece que no es poco” (1989)</i>. Mención aparte merece su participación junto a Ana Mariscal e Imperio Argentina, en la obra maldita de Javier Aguirre<i> “El polizón del Ulises” (1987)</i> ocasión única de ver en acción a tres auténticas divas del pasado, mostrando su categoría interpretativa y carisma imperecedero.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhifNQGPlRCWhhOeqFUONfMC2DZzm9EXXOYkwwJO84LRYPe6U4GQ0jHwQ7G7xDlFK8HlQEs2hrIYY4TKQL5KDUnBRdGuZxbPT-Gtv7MLHXEvWunrXgVpAE_pn-Gafs-9MVrUR8jTxU9oO8i/s1600/08-07-2014-10-19-13.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhifNQGPlRCWhhOeqFUONfMC2DZzm9EXXOYkwwJO84LRYPe6U4GQ0jHwQ7G7xDlFK8HlQEs2hrIYY4TKQL5KDUnBRdGuZxbPT-Gtv7MLHXEvWunrXgVpAE_pn-Gafs-9MVrUR8jTxU9oO8i/s320/08-07-2014-10-19-13.jpg" width="320" /></a></div>
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Falleció en 2012 de un modo inesperado y repentino a consecuencia de una insuficiencia respiratoria. Para el recuerdo nos queda la presencia de una gran Dama del cine y la escena que, a pesar de la imagen conservadora de gran parte de su filmografía, siempre buscó dignificar su trabajo apostando por otras líneas expresivas diferentes, a veces arriesgando como demostró en una de sus películas más delirantes, <i>“Los pasajeros” (1975)</i>, donde su exhibición de busto causó conmoción entre el público de la transición, sorprendido frente a las veleidades eróticas de su otrora Reina Santa.<br />
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Su estilo de declamación, su manera de gesticular , su temperamento dramático marcaron toda una etapa de nuestro cine en la que las grandes pasiones se vivían en medio del lujo de salones cortesanos, donde las grandes figuras de la historia eran usados como excusa para mostrar la grandeza y poderío de una España trasnochada anclada en un pasado glorioso frente a un presente incierto. En este contexto Aurora Bautista luchó por superar la máscara que la encumbró sin conseguirlo completamente y es que ella hizo de su galería de heroínas históricas algo más grande que el cine que las contenía.Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-188187556931533812017-02-15T23:34:00.001+01:002017-02-15T23:40:21.526+01:00MIS ESTRELLAS FAVORITAS... FRED ASTAIRE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXwmRFGbk-blZKB32amZu5haY74Wj5_PThxiDq6tKM9dXC6aNgeJ2d6JbX1vyXxjjtXQ-9p6sHepLjUS6h3TLiJMtJGf1PcdJYK_LEALsDaQzMc-4T4vkqtehc9lmQeX80J4PtsKWUrnC-/s1600/fred-astaire-9190991-2-raw.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXwmRFGbk-blZKB32amZu5haY74Wj5_PThxiDq6tKM9dXC6aNgeJ2d6JbX1vyXxjjtXQ-9p6sHepLjUS6h3TLiJMtJGf1PcdJYK_LEALsDaQzMc-4T4vkqtehc9lmQeX80J4PtsKWUrnC-/s400/fred-astaire-9190991-2-raw.jpg" width="300" /></a></div>
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Clásico, perfeccionista, impecable… Él es junto con Gene
Kelly la esencia del bailarín cinematográfico. En cualquier película en la que
aparece y rompe en algún momento a bailar, la pantalla se llena de magia al
margen de la calidad del filme. Cuando uno ve a Astaire bailar siente que el
hombre ha nacido para hacerlo de un modo tan natural e instintivo como
respirar. Nada más lejos de la realidad, era un profesional exigente que
empleaba horas de ensayos y exigía la misma dedicación y entrega a sus bailarinas
y el equipo que rodeaba sus espectaculares coreografías. Sin Astaire no
existiría el musical americano…</div>
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Su talento era tan brillante que podía hacer de cualquier
objeto inanimado su pareja, como la célebre escena en la que baila con un
perchero en<i> “Bodas reales” (1952)</i>, las filigranas realizadas en el mismo título
en una espectacular coreografía por el suelo, paredes y techo de una
habitación, narrando con su danza lo fantástico que es estar enamorado o en el
número <i>“Shoes with Wings On” </i>de <i>“Vuelve a mí” (1949)</i> donde interactúa con una
decena de zapatos que danzan a su alrededor sin dueño.<o:p></o:p></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkbO3n2kz_Xtpgz_rJV2tF9SWDOhsROsP3E3dGcsBuxUuI8lZhfwZaYS-dNEP6Ki5-V3DBxoa0Xx93W_YfuXTPKjZC4uit8FhxUMt1SQbummUS8J4ezUp6cJ1q2FYtfgA7RoAhjwIy41iK/s1600/fredastaire_2188828b.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="236" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkbO3n2kz_Xtpgz_rJV2tF9SWDOhsROsP3E3dGcsBuxUuI8lZhfwZaYS-dNEP6Ki5-V3DBxoa0Xx93W_YfuXTPKjZC4uit8FhxUMt1SQbummUS8J4ezUp6cJ1q2FYtfgA7RoAhjwIy41iK/s320/fredastaire_2188828b.jpg" width="320" /></a></div>
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Cuando llegó al mundo del cine contaba ya con 34 años, edad tardía para hacer carrera en la pantalla. En la prueba a la que le sometieron en la RKO,
una de las productoras más modestas de Hollywood, lanzaron como veredicto: “No
sabe cantar, no sabe actuar, está calvo… Baila un poco”. Astaire llevaba a sus
espaldas una larga y exitosa carrera como bailarín teatral con su hermana Adele. Cuando
esta se casó la pareja hubo de disolverse y él probó fortuna en la soleada
California. Su primera incursión consistió en una pequeña aparición junto a la
estrella de la Metro Joan Crawford en la película <i>“Alma de bailarina” (1933)</i>,
pero en su siguiente título <i>“Volando a Río de Janeiro” (1933)</i> él y su pareja, una
rubia descarada llamada Ginger Rogers, se lanzaron a la pista con un pegadizo
baile tropical, <i>“La Carioca”</i>, y entraron en la inmortalidad… El resto es historia del séptimo arte. Hoy nadie recuerda
que aquel título estaba protagonizado por la bellísima Dolores del Río y Gene
Raymond, pero Fred y Ginger se llevaron todos los elogios y el cariño del
público, iniciando una fructífera colaboración a lo largo de nueve títulos que les elevaría a la categoría de mitos del
cine, no solo musical, sino del Hollywood clásico, llenado la pantalla de
bailes y entretenimiento.<br />
<br />
En la modesta RKO, Astaire encontró en Ginger el
complemento ideal. Él era clásico y ella moderna, aparte de una magnifica
actriz que se adaptaba a la perfección al juego de aquellas comedias de enredo
y a las coreografías del bailarín, como si de una hermosa sombra se tratara,
envolviéndose y elevándose entre sus brazos
como parte de un poema musical de tres minutos de duración. Sus danzas
clásicas son el origen de los bailes de salón, por si mismos iniciaron todo un
apartado en el terreno del cine musical de todos los tiempos.</div>
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La pareja se rompió en 1939, al parecer por las aspiraciones
de Ginger a obtener papeles de mayor calado dramático y cansada de ver
su talento soterrado a la sombra del de Astaire. Cuando diez años más tarde la
Metro les volvió a juntar en la historia de dos bailarines que se separan
cuando ella quiere emprender una carrera dramática en solitario, trasunto de su
propia vida, en la citada <i>“Vuelve a mí” (1949)</i> las pantallas volvieron a vibrar
como en los mejores tiempos, envolviendo la leyenda en nubes Technicolor. Cada
aparición conjunta de ambos en este título valía su peso en oro, dando ejemplo a porque se convirtieron en legendarios.<br />
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Lejos de Ginger, Astaire fue pasando por distintas productoras hasta recalar en la Metro, donde asentó su leyenda a las órdenes del productor Arthur Fred y su famosa “Fred Unit” el equipo que dio a la pantalla los mejores títulos musicales que conformaron la edad de oro del género. Aparte de dos deliciosos escarceos en la Columbia<i> "Bailando nace el amor" (1942)</i> y <i>"Desde aquel beso" (1941)</i>, con Rita Hayworth, a la que Astaire consideró su mejor pareja de baile en adelante, por sus brazos pasaron las mejores bailarinas del Séptimo arte... Judy Garland, Ann Miller, Cid Charisse, Vera Ellen, Leslie Caron... Incluso nos deleito con un dúo inolvidable junto a su pareja más extraña y extraordinaria, Gene Kelly en el número <i>"The babbitt and the bromide"</i> del filme de Minnelli <i>"Ziedfield Follies" (1945)</i>.</div>
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A medida que los días de gloria del musical cinematográfico fueron pasando Astaire fue espaciando sus apariciones en la pantalla, aunque tuvo tiempo de participar en algunos de los mejores "cantos de cisne" del género como <i>"Melodías de Broadway 1955" (1953)</i> y <i>"La bella de Moscú" (1957)</i> ambas con la bellísima Cyd Charisse o <i>"Una cara con ángel" (1957)</i> donde un Astaire con 58 años aún daba lecciones de danza a una encantadora damita llamada Audrey Hepburn.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKKufh1gGo9-vIWZjr7cXXVx_ZV51eq90TrrVQT3xzNkZjdl4N7OkJvp_7HIlxICuSjolu1pIyWMockcXABBZ0NWiP2PEQrXO7gkT0DOyCjruSWpgjUTwWHtoNbgVBHJi3rgYeiz5tHvDV/s1600/18-cyd_charisse_theredlist.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKKufh1gGo9-vIWZjr7cXXVx_ZV51eq90TrrVQT3xzNkZjdl4N7OkJvp_7HIlxICuSjolu1pIyWMockcXABBZ0NWiP2PEQrXO7gkT0DOyCjruSWpgjUTwWHtoNbgVBHJi3rgYeiz5tHvDV/s400/18-cyd_charisse_theredlist.jpg" width="400" /></a></div>
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Falleció a los 88 años de una neumonía, dejando al cine un poco más huérfano de la magia y el encanto capaces de encender las pantallas, pero su leyenda permanece grabando su nombre en notas clásicas. Como dijo en una ocasión la gran Cyd Charisse, "bailar con Fred una vez representa la consagración, hacerlo dos veces supone la inmortalidad"...Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-25163639024930243042017-02-14T01:15:00.005+01:002017-02-14T01:15:36.319+01:00FILMOTECA CLÁSICA... "El cartero siempre llama dos veces" (1946) Tay Garnett <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS8FTK63yGPQy74TkFcmxmzfzXSh4JNLGYH3u8XuTNeoOdBH_E1oN0EGB4ql1cuWUbVDqUmQzBvgjh0dogiYDSxJwPH_fh3MwXDY3Q24z-KGjKHZfmfOif0Bspv9CE6RBhORmLQOP9jNW7/s1600/The+postman+always+rings+twice+%25281946%2529+Poster.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS8FTK63yGPQy74TkFcmxmzfzXSh4JNLGYH3u8XuTNeoOdBH_E1oN0EGB4ql1cuWUbVDqUmQzBvgjh0dogiYDSxJwPH_fh3MwXDY3Q24z-KGjKHZfmfOif0Bspv9CE6RBhORmLQOP9jNW7/s400/The+postman+always+rings+twice+%25281946%2529+Poster.jpg" width="400" /></a></div>
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Un vagabundo llega a un mediocre restaurante de carretera buscando empleo... Una vez sentado dentro del local ve como un pintalabios rueda por el desgastado suelo... Al alzar la mirada va contemplando las piernas, cintura y pecho de su propietaria, en un magnífico contraplano vemos la reacción en la cara del protagonista causada por la visión de un rostro perfecto de diosa sexual... Con esta escena soberbiamente narrada se intuye el drama que va a desarrollarse en uno de los filmes negros más famosos de la historia del Cine y sin duda alguna uno de los mejor construidos...<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnhN3htM3OkugIJkTdl-dJTW3ciAOi14FG-XCuy7z9qtdsS5JGtNxygmLdrWDjsCA2iBSC1DXxj9ORiXeDEX39lHJUPTC4lSero6wxCYQQDsnXQFeGWcAdQ_Olqu3tbmh3MX8AA2S56LOP/s1600/James+Cain+-+03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnhN3htM3OkugIJkTdl-dJTW3ciAOi14FG-XCuy7z9qtdsS5JGtNxygmLdrWDjsCA2iBSC1DXxj9ORiXeDEX39lHJUPTC4lSero6wxCYQQDsnXQFeGWcAdQ_Olqu3tbmh3MX8AA2S56LOP/s400/James+Cain+-+03.jpg" width="400" /></a></div>
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Lana Turner contaba con 25 años cuando interpretó esta película confirmando una categoría de estrella que mantendría hasta el final de sus días. Su presencia es todo en la historia, su figura tentadora, la ambigüedad que respira su personaje durante toda la cinta, la pasión irracional que despierta su aparición en cada plano hicieron de esta una de las mejores oportunidades de su carrera a la que la actriz supo aferrarse saliendo triunfante sin grandes métodos interpretativos, pero utilizando todos los recursos innatos de una estrella que nació para hipnotizar la pantalla hechizando a los espectadores con su sola presencia. Ella es la esencia y presencia dominante en toda la película, tejiendo los hilos, manejando a su antojo a todos los personajes de la historia.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigbdmhqnDcqJD9sihEcvNPdrYESJzeOlpgdNZK8eHj9R3S9E3NM-Ifgz4baUpvbEdGBlf5U2W-dRCSWOCoQwiNf0Dd6HnfrNwTGu2dT38z8okVz8jDJj8VF28kj40IUMcF5Rk3HbsM5tXc/s1600/Cartero01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigbdmhqnDcqJD9sihEcvNPdrYESJzeOlpgdNZK8eHj9R3S9E3NM-Ifgz4baUpvbEdGBlf5U2W-dRCSWOCoQwiNf0Dd6HnfrNwTGu2dT38z8okVz8jDJj8VF28kj40IUMcF5Rk3HbsM5tXc/s320/Cartero01.jpg" width="320" /></a></div>
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Junto a la divina presencia de Lana, John Garfield, un magnífico actor de método, prototipo de la masculinidad, que se alzó como uno de los primeros rebeldes de Hollywood, precursor de Brando o Dean. Garfield fue uno de los mejores actores de su época, cuya carrera fue cruelmente truncada por la tristemente célebre "caza de brujas", al ser considerado simpatizante comunista por rebelarse contra las ideas conservadoras del senador McCarthy, siendo incluido en las listas negras del "comité de actividades antiamericanas". Su temprana muerte de un ataque al corazón a los 39 años, se consideró una causa directa de la persecución sufrida a consecuencia de sus ideas, convirtiéndose en una víctima de esta etapa negra Hollywood y de la vida estadounidense. Garfield brinda en la película una interpretación redonda, absolutamente magistral. Su encarnación del hombre cínico, rudo, de vuelta de todo que sin embargo es atrapado en las redes de una mantis religiosa con figura de Esfinge, es tan real que hace creíble la historia consiguiendo que esta cobre vida.<br />
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La atmósfera de la película es soberbia, carnal, inquietante... Sosteniendo la idea de que algo irremediable va a ocurrir de un momento a otro. A ello contribuye una soberbia dirección y una excelente fotografía y planificación escénica que rebela el fatalismo característico del cine negro americano propio de los años 40, época en la que las historias se volvieron más oscuras, desencantadas y realistas dando nombre a un género nacido al amparo de la terrible experiencia que supuso la segunda guerra mundial en la que el mundo perdió una parte de su inocencia.<br />
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A pesar de su excelente calidad el filme no obtuvo ni una sola nominación a los Oscar de ese año. Lo cierto es que la brutal concentración de títulos "clásicos" en esa fructífera etapa del cine americano hizo que muchas películas quedasen fuera de palmarés. Aquel 1946 además del filme de Garnett, quedaron fuera de concurso títulos inmortales como "Gilda" de Charles Vidor, "El sueño eterno" de Howard Hawks, otros dos magníficos "filmes negros" o "Pasión de los fuertes" un western de John Ford, imprescindible a la hora de abordar el género.<br />
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La película tuvo un célebre remake en 1981 interpretado por Jack Nicholson y Jessica Lange, cuyo papel de Cora convirtió a esta última en estrella de la década como hubiera hecho años antes con Lana Turner. Lange aparece desprovista del glamour de su predecesora, pero la carnalidad y sensualidad que sabe imprimir a su personaje, aparte de unas escenas de alto voltaje sexual, compusieron una Cora muy distinta pero igualmente inolvidable, convirtiendo el filme en un gran éxito.Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-33447325624835096102016-10-27T20:31:00.001+02:002016-10-27T20:31:36.586+02:00FILMOTECA CLÁSICA... "LA CARTA" (1940) WILLIAM WYLER<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpEOXA1d3z6UJg5jLJLOAbdivicM1Q_w5M60KAvKAvyZLu0iSbGCxUjfTdErnWx0LczIy04l9LPeCktFq40LWWrn9zlEI54ryrwnQE4ZIbChYPLfcfmGf90tfOfVWtCzkdePHlG0b3LxVV/s1600/842095f348caa0c982e2dedd9b1430cb.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpEOXA1d3z6UJg5jLJLOAbdivicM1Q_w5M60KAvKAvyZLu0iSbGCxUjfTdErnWx0LczIy04l9LPeCktFq40LWWrn9zlEI54ryrwnQE4ZIbChYPLfcfmGf90tfOfVWtCzkdePHlG0b3LxVV/s400/842095f348caa0c982e2dedd9b1430cb.jpg" width="400" /></a></div>
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Aunque es difícil elegir un título en la filmografía de una de las grandes actrices de la historia, creo mi Bette favorita es la de <i>"Jezabel" (1938)</i>. Esa Julie malcriada, egoísta e incluso cruel, acostumbrada a hacer su santa voluntad y redimida por el sacrificio de acompañar al hombre amado a una leprosería, se encuentra en un lugar muy alto en mi memoria cinéfila. Sin embargo he de reconocer que esta Leslie de <i>“La carta”</i> es posiblemente junto a la Eva de <i>“Eva al desnudo” (1950)</i> una de las interpretaciones mejor construidas de toda su trayectoria. Bette es el alma de la película, en un argumento creado en torno a su personaje donde ella reina sin competencia posible, aunque todo el filme de principio a fin está tan bien construido que encaja con la precisión de un engranaje servido a la medida del mejor melodrama clásico.<br />
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En este caso la maldad de Bette no alcanza redención posible… Asesina, miente y destruye la vida de cuantos le rodean en nombre de un amor egoísta incapaz de soportar el rechazo, ni superar los convencionalismos sociales. La cantidad de matices que Bette aporta a su personaje en la cinta es magnífica, ofreciendo un soberbio recital que es fantásticamente retratado por el director William Wyler, amante por aquel entonces de la estrella.<br />
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La fotografía de la película es impecable, realzando la sensualidad e intensidad de la historia cuando se precisa, especialmente en las escenas finales con esa luna omnipresente poniendo tintes dramáticos al desenlace, haciendo protagonista de la situación al paisaje, presentimiento fatal, que nos alerta de lo que está a punto de ocurrir como culmen de la historia, dando cuenta sin duda de la sabiduría cinematográfica de Wyler, un auténtico genio que se movía como pez en el agua en este tipo de argumentos servidos a la medida de su estrella favorita, pero que conseguía sublimarlos, formando un binomio magnífico que servia al acabado perfecto de la obra. De hecho las películas en las que Bette se dedica a ser "la mala" sin más, en un argumento que resalta los aspectos de su villanía sin un director como Wyler que sublime el resultado, la obra se resiente considerablemente a pesar del talento indiscutible de la actriz.<br />
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Acompañando a la estrella algunos de los mejores actores de la escudería Warner, nombres habituales en los vehículos de Davis. Herbert Mashall como el anodino esposo engañado que no se entera de nada de lo que acontece a su alrededor, James Stephenson como el abogado amigo de la familia que se ve obligado a defender los manejos de la arpía protagonista y Gale Sondergaard como la exótica malasia, mano ejecutora de la venganza que se anuncia desde su primera aparición aún sin pronunciar palabra alguna al respecto.<br />
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Al igual que <i>“La Loba” (1940) </i>el guión original se inspira en una obra de teatro, en este caso de W. Somerset Maugham, autor entre otras de <i>“Servidumbre humana”</i> o <i>“El filo de la navaja”</i>, estrenada a finales de los años 20 con notable éxito con Gladys Cooper como protagonista. En 1938 fue interpretada en el Radioteatro Lux por Merle Oberon y Walter Huston, pero sin duda alguna debe su fama internacional a esta adaptación para el cine por Wyler con Bette Davis como protagonista en el mayor momento de popularidad y prestigio. Bette había creado un estilo de interpretación sumamente personal, que hacia las delicias de crítica y público y le habían llevado a un puesto de ventaja dentro de la Warner Brothers productora que la tenía bajo contrato, convirtiéndose en la reina absoluta del estudio, con decisión para elegir argumentos, directores y compañeros de reparto, papel que ella deseó en aquellos años no fue a parar a manos de ninguna otra actriz. Sin duda alguna parte de ese éxito se debía al carácter de la estrella que volcaba todo su talento y esfuerzo en cada personaje, lo que le llevó en ocasiones a tener fuertes discusiones con los directores sobre la construcción dramática de los mismos y encontronazos con la productora ante la negativa a interpretar papeles que ella consideraba no estuvieran a la altura de su personalidad o estatura como actriz, convirtiéndose en una de las grandes rebeldes de Hollywood, que llegó a pleitear contra los estudios Warner en su lucha por obtener mejores oportunidades.<br />
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En <i>"La carta" </i>tanto ella como Wyler dan buena cuenta de una forma de hacer cine, que quedó para siempre enterrada entre los fotogramas del celuloide clásico y que sin embargo sigue funcionando como algo perfecto a cada revisión, manteniendo al espectador fijo en la historia y cuanto en ella acontece hasta el final. La película fue nominada en siete categorías distintas (película, actriz, director, fotografía, montaje, actor de reparto y música) aunque no obtuvo ningún galardón, si bien es cierto que aquel año la competencia era brutal. El filme tuvo que lidiar con títulos inmortales como <i>"Historias de Filadelfia", "El ladrón de Bagdad", "Pinocho", "Las uvas de la ira", "El gran dictador" </i>o<i> "Rebeca"</i> que se alzaría con el galardón a la mejor película de 1940.<br />
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Independientemente de los premios otorgados el filme obtuvo un enorme éxito y se convirtió casi de inmediato en unos de los clásicos inmortales de director y actriz, pasando, entre otras cosas, a la historia por la célebre frase <i>"Todavía amo con todo mi corazón al hombre a quién he matado"</i>, usada acertadamente en la promoción de la película.Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-46121991233857694812016-08-30T00:53:00.007+02:002016-08-30T16:18:24.913+02:00MIS ESTRELLAS FAVORITAS... HEDY LAMARR, LA TENTACIÓN Y EL ÉXTASIS... <br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjisYMirQMJCRLnotltRRKD1yd3lHNaGjAxO44TVciLvmUMLgkAMM2SMyjr0_IAX_SVXx5ZioQ4uXTBtNRlxv-O_QWY3QCDwY-0v0_-QxYw69ol4FSSTzti7Uj7_Y2pm6ZAkW-hQvUGzVoq/s1600/Hedy_lamarr_-_1940.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjisYMirQMJCRLnotltRRKD1yd3lHNaGjAxO44TVciLvmUMLgkAMM2SMyjr0_IAX_SVXx5ZioQ4uXTBtNRlxv-O_QWY3QCDwY-0v0_-QxYw69ol4FSSTzti7Uj7_Y2pm6ZAkW-hQvUGzVoq/s640/Hedy_lamarr_-_1940.jpg" width="484" /></a></div>
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Aunque nunca llegó a destacar por sus cualidades interpretativas fue sin duda uno de los rostros más perfectos que jamás se asomó a la pantalla. Reina del glamour, creadora de un estilo personalísimo y poseedora de una vida intensa y apasionante. Su carrera arrancó con la aureola del escándalo haciéndose famosa por ser la primera actriz que apareció completamente desnuda en el filme checo <i>“Extasis” (1933)</i>, en la que además simulaba un orgasmo en una de las escenas de la película, contando tan solo con 19 años, dando ya cuenta de su carácter moderno y transgresor.<br />
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A pesar de su imagen de muñeca plastificada parece ser que tenía una inteligencia fuera de lo común, lo que la llevó a estudiar ingeniería técnica con tan solo 16 años, llegando a ser coinventora de la primera versión de “espectro ensanchado” junto al compositor George Antheil, que mejorada en la época digital daría lugar a la tecnología Wifi. Teniendo una gran actividad en este sentido durante los años de la segunda guerra mundial a favor de la causa aliada.<br />
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El escándalo despertado con su intervención en <i>“Extasis”</i> hizo que el magnate armamentístico de origen judío Friedrich Mandl, colaborador del régimen nazi, se fijase en ella concertando un matrimonio de conveniencia con los padres de la artista, del que ella salió huyendo años más tarde a París, para posteriormente embarcarse a Londres y de allí a EEUU, donde el todopoderoso Louis B. Mayer, jefe de la Metro, la convirtió en una de las predilectas del estudio, protegida personal suya, reactivando una carrera que a partir de entonces permaneció asociada al cine americano hasta su declive y retirada.<br />
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A pesar de haber cursado estudios de arte dramático en su juventud con el director alemán Max Reinhardt, su carrera no se edificaría precisamente sobre su talento interpretativo, fue su atractivo físico el que cimentó una filmografía completamente al servicio de su soberana belleza, protagonizando una treintena de filmes en los que llenaba la pantalla con su imagen cautivadora, sin enterarnos en ningún momento si además sabía interpretar… Tampoco importaba… Su rostro hierático, impasible, incapaz de transmitir emoción alguna, era la imagen proyectada de una Diosa que había bajado del Olimpo a la pantalla para cautivar con su mirada a los mortales que acudían a contemplar sus romances junto a los galanes de moda, destinados a ser esclavos de la fascinación despertada por la Dama.<br />
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La Metro, experta a la hora de fabricar estrellas, supo elegir los vehículos donde Hedy pudiera lucirse, impecablemente vestida y convenientemente iluminada, en una atmósfera romántica e irreal de ambientes exóticos, en algunas ocasiones como el de <i>"White Cargo" (1942) </i>decididamente absurdos. De esta guisa apareció en títulos como <i>“Argel” (1939), “La Dama de los trópicos” (1939), “Esta mujer es mía” (1940) o “Las chicas de Ziegfield” (1941)</i>. Hubo algún intento de explorar otros registros como en la comedia <i>“Camarada X” (1940)</i> junto al “Rey” Gable, donde se intentaba parangonar con la mismísima Greta Garbo, emulando el éxito personal de “La Divina” en <i>“Ninotchka” (1939)</i> o en el melodrama costumbrista <i>“Cenizas de amor” (1941)</i> donde por fin y casi por única vez dejó atisbar su talento como actriz a las órdenes del gran King Vidor.<br />
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La segunda mitad de los años cuarenta transcurrió entre vehículos a su servicio sin nada destacable más allá de su hermosa presencia y el oropel del que los estudios sabían rodear este tipo de producciones, dejando escapar dos de las mejores oportunidades de su carrera al rechazar las protagonistas de <i>“Casablanca” (1943)</i> y <i>“Luz de gas” (1944)</i> que hicieron la fortuna de Ingrid Bergman consagrándola como estrella de cine y una de las favoritas del público de la época.<br />
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A finales de la década logró apuntarse un triunfo personalísimo cuando Cecil B. de Mille uno de los erotómanos más consumados de la historia del Cine, la eligió para representar a una de las tentadoras bíblicas más famosas en <i>“Sansón y Dalila” (1949)</i> junto al fornido Víctor Mature. Tras este enorme éxito de público que resucitó las películas de temática pseudo religiosa, abriendo un ciclo que se haría inmensamente popular durante los años cincuenta, su carrera fue en franca decadencia, protagonizando películas de bajo presupuesto y escaso interés que precipitaron una pronta retirada de la pantalla. Su rostro además se había endurecido, envejeciendo prematuramente, lo que hizo sin dudas que los productores perdieran interés en ella, al verse dañado parte de su principal atractivo ante el público.<br />
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Su situación financiera se vio bastante resentida durante aquellos años ociosos, siendo subastados todos sus bienes, incluida una copiosa colección de arte que la actriz había ido compilando en sus años de gloria. Al igual que en sus inicios su vida terminó rodeada de anécdotas escandalosas y sensacionalistas. Fue acusada de cleptómana por robar en un supermercado y posteriormente la publicación de su autobiografía “Ecstasy and me”, donde reflejaba un detallado catálogo de amantes y una azarosa vida sexual, despertó los comentarios más escabrosos. Aunque Hedy demandó a la Editorial aludiendo que habían alterado sus Memorias con el fin de obtener un éxito de ventas la polémica alrededor de su figura estaba servida.<br />
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Como tantas otras “Diosas” se llevó la verdad consigo, dejando una estela de leyenda a su paso que mantiene viva su memoria de mujer única, inconformista, vividora y abuela de un invento tecnológico por el que finalmente logró más reconocimiento que en ninguna de sus películas, dando cuenta de una personalidad tan fascinante como esa belleza insultante, irreal, que la convirtió en una postal fija y eterna en la retina del espectador clásico…<br />
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Divina Hedy, genial Hedwig Eva Maria Kiesler...Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-9238262619572646832016-07-13T01:43:00.000+02:002016-07-13T01:43:09.799+02:00FILMOGRAFÍA CLÁSICA... "LA LOBA" (1941) WILLIAM WYLER<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdwl3lOkr1C7vhc8Xy-frnScQzbRH5mFmeT6KLQelns8GfgW-6aZD_Dlrwypl01PS4YJCkh05NnTPA4vZmVgIr0eUwB_UmOM3BB6GKbkE79o6nmITt2xYCUJYCRAu7eRs_hxdc__r8PaB1/s1600/l_135689_0033836_6ff1208c.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgdwl3lOkr1C7vhc8Xy-frnScQzbRH5mFmeT6KLQelns8GfgW-6aZD_Dlrwypl01PS4YJCkh05NnTPA4vZmVgIr0eUwB_UmOM3BB6GKbkE79o6nmITt2xYCUJYCRAu7eRs_hxdc__r8PaB1/s640/l_135689_0033836_6ff1208c.jpg" width="436" /></a></div>
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Basada en una obra de la dramaturga Lillian Hellman fue uno de los mayores triunfos en la carrera de Bette Davis, hasta el punto de que su personalidad cinematográfica quedó asociada a este apodo dadas las características del personaje de Regina Giddens, una mujer ambiciosa, manipuladora, fuerte y sin escrúpulos, muchas de las cualidades que conformaron la personalidad cinematográfica de Bette en la pantalla. Lo cierto es que el papel protagonista de la obra se ceñía como anillo al dedo al temperamento artístico de Davis y está aprovechó la oportunidad brindando una de las interpretaciones más soberbias de su extensa filmografía y de la historia del cine. Su talento y el del director William Wyler hicieron que el filme se convirtiera en uno de los clásicos imperecederos del melodrama sureño americano, como ya habían conseguido tres años antes con <i>“Jezabel”</i>, otra interpretación poderosa que le valió a Bette el Oscar a la mejor actriz de 1938, dirigida igualmente por Wyler, amante por aquel entonces de la estrella.<br />
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La obra escénica fue estrenada en 1939 por Tallulah Bankhead una de las reinas de Broadway, obteniendo un sonado éxito de crítica y público. Sin embargo esta actriz fue descartada para la adaptación a la pantalla, posiblemente por ser una desconocida para el público internacional ya que se prodigó muy poco en cine, su interpretación más famosa sería en la claustrofóbica <i>“Naúfragos” (1944)</i> de Alfred Hitchcock. El rechazo de la productora a su creadora original para interpretar el personaje que había hecho célebre en escena en favor de Bette, hizo que ambas actrices vertieran comentarios poco agradables la una sobre la otra en virtud del difícil carácter de ambas divas, iniciando una rivalidad histórica. Más allá de la anécdota mitómana hay que reconocer que Bette estuvo soberbia en el papel, realizando una creación absolutamente personal por la que obtuvo una nueva nominación al Oscar como mejor actriz de aquel año, aunque este fue a parar a manos de la dulce Joan Fontaine, hermana de Olivia de Havilland, por su interpretación de esposa amenazada en <i>“Sospecha”</i> de Alfred Hitchcock.<br />
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Sin duda alguna la fuerza de la película reside en la parte interpretativa, arropada por un plantel de actores formidable. A la estrella absoluta de la historia le acompaña un reparto de secundarios, que se cuentan entre lo mejor del cine de la época, entre los que se encuentran Herbert Marshall, un actor sobrio y contenido, que fue también el sufrido esposo de Bette en otro clásico inmortal <i>"La carta" (1940), </i>Dan Duryea, Richard Carlson o la excelente Patricia Collinge como la delicada y alcohólica cuñada de Regina, nominada al Oscar a la mejor actriz secundaria por su interpretación, al igual que Teresa Wright una actriz de extraordinaria sensibilidad que interpretaba a la inocente hija de la protagonista, moneda de cambio de los propósitos ambiciosos de la madre con el fin de alcanzar la posición social perdida.<br />
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La sabiduría de Wyler mantiene presente el espíritu de la obra teatral adaptadandola acertádamente al lenguaje cinematográfico, jugando sabiamente con la posición de la cámara en una historia repleta de diálogos y rodada prácticamente en un escenario único. Fijos en la retina cinéfila quedan escenas inolvidables, como aquella en que Regina deja morir de un ataque al corazón a su esposo mirándole con la frialdad propia de una arpía, mientras este agoniza suplicando que le acerque su medicina, una de las cumbres de la perversidad femenina en el cine que el talento de Bette Davis hace absolutamente convincente, o aquella otra en la que la protagonista permanece erguida en la escalera de la mansión, viendo como se aleja su hija, logrando su ambición personal pero siendo abandonada por el afecto de los suyos, castigando así sus intrigas carentes del menor atisbo de humanidad.<br />
<br />
El filme fue nominado a los tres Oscars de interpretación femenina, principal y secundario, anteriormente mencionados, si bien no logró ninguna de las codiciadas estatuillas. Sin embargo Bette Davis fue nombrada presidenta de la Academia tras su intervención en esa película, convirtiéndose en la primera mujer que ostentó este cargo en la historia, aunque solo permaneció 8 meses en el mismo.<br />
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<br />
El papel de Regina se convirtió en uno de los personajes "bombón" que toda actriz deseó representar en adelante para el lucimiento sus cualidades dramáticas, siendo interpretado en escena a lo largo de distintas décadas por famosas actrices que intentaron emular el triunfo de sus predecesoras entre las que se encuentran Elizabeth Taylor, Anne Bancroft o Simone Signoret. En España lo llevaron a escena Nuria Espert o Marisa de Leza entre otras.<br />
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Un filme excelente e imprescindible dentro de la filmografía de Davis y Wyler, muestra magnífica de teatro filmado y del mejor melodrama de la época dorada.<br />
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<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-71048683936062802192016-04-21T00:14:00.003+02:002016-09-12T17:30:23.944+02:00CON ACENTO ESPAÑOL... "EMBRUJO" (1947) CARLOS SERRANO DE OSMA... SURREALISMO FLAMENCO<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0GEMGC9wHJkMhmi99kxJNeAHs-CJb7JyNul-fpsMzvd9NF0fQYi9I2r1yoGY7t8hpnw0iUBHxdnqXgSjIUDHXbH2MAci2QpxjsEBK8DJN3P6aOXvv8E8dXhSEClv_xjW3GeuYovmsxBdX/s1600/Embrujo-297823591-large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0GEMGC9wHJkMhmi99kxJNeAHs-CJb7JyNul-fpsMzvd9NF0fQYi9I2r1yoGY7t8hpnw0iUBHxdnqXgSjIUDHXbH2MAci2QpxjsEBK8DJN3P6aOXvv8E8dXhSEClv_xjW3GeuYovmsxBdX/s640/Embrujo-297823591-large.jpg" width="436" /></a></div>
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Nos encontramos sin duda una de las obras más insólitas de
nuestro Cine. Su director, Carlos Serrano de Osma, se caracterizó por explotar la
experimentación del lenguaje cinematográfico por encima de los argumentos de
sus películas. En este caso intentó abordar el mundo del flamenco desde una
óptica completamente distinta a la habitual, alejada de falsos tópicos y tipismos, impregnando su esencia de un tratamiento demasiado
surrealista que no fue bien entendido en su tiempo, condenando al filme al
fracaso a pesar de contar con la pareja más popular de aquellos años en el
género, Lola Flores y Manolo Caracol.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPufrmPbU-BeeOsw2Wmih4EE4j9m4nijy1bxphi_SWlGTCVTxlD6d7IdWKZ3ay-UZlwQngeIeeNswkqTmSSLOSjH3YThoNqLOzTHqPY5vSIXeYrgDvv__qQWjcaoDO-tL421AYGMVYu1uu/s1600/ortega_caracol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPufrmPbU-BeeOsw2Wmih4EE4j9m4nijy1bxphi_SWlGTCVTxlD6d7IdWKZ3ay-UZlwQngeIeeNswkqTmSSLOSjH3YThoNqLOzTHqPY5vSIXeYrgDvv__qQWjcaoDO-tL421AYGMVYu1uu/s400/ortega_caracol.jpg" width="397" /></a></div>
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Lo cierto es que a pesar de las buenas intenciones del
realizador por hacer algo distinto al trillado folklore tradicional de entonces, resulta un
ensayo fallido que queda finalmente en tierra de nadie. Sin embargo debido a su
pintoresquismo ha pasado a la historia como una pequeña joya de su tiempo y uno
de los títulos más personales del periodo de postguerra, que sirve además como impagable
documento para ver en acción a dos de las figuras más temperamentales del mundo
de la copla y el flamenco, en su época de mayor esplendor. <o:p></o:p></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgATnuXbRRUaUxhKcTwRybJVk4ch2O6YjviSUS-Oi6IAJCvRKHXrDqEtEmjjl-VrDymwT4pG2Bl6Vx6DHiq6M5hyphenhyphenhP2gC10CtsTdM0a9MTxILBxpYf8MkpSqdXvblDMdW9chgKWduj7MxII/s1600/pic.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgATnuXbRRUaUxhKcTwRybJVk4ch2O6YjviSUS-Oi6IAJCvRKHXrDqEtEmjjl-VrDymwT4pG2Bl6Vx6DHiq6M5hyphenhyphenhP2gC10CtsTdM0a9MTxILBxpYf8MkpSqdXvblDMdW9chgKWduj7MxII/s400/pic.jpg" width="263" /></a></div>
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Aunque el planteamiento cinematográfico impuesto por Serrano
de Osma en la producción, no se centra en el lucimiento de la pareja
protagonista, el genio de ambos es tan enorme que es imposible que este quede
relegado a un segundo plano. La película ofrece la posibilidad de contemplar la recreación de algunos de los números más famosos interpretados por Lola y Caracol en sus
espectáculos de aquellos años, como “La Salvaora” o “La niña de fuego”,
permitiendo a las actuales generaciones ser testigos del arte imperecedero de
dos artistas con mayúsculas que dieron días de gloria al teatro español de
postguerra.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5wLOZPkHEHnSp2PBPOuXVP_QlAhqNi9H2TxUw7-FlnNFOomPfgftxK18cFiOuy7IiHErrMV-7bMqez29gYozgSXQK_J38dY7LEigVQYa1c-ZR5xcYeokfOQ3jpq-lOKT_IW1E4xtdoK-H/s1600/ParallelEls-Expliquen-Guillermina-RexachLatraccio-Guardiola_423567665_15740595_1515x2199.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5wLOZPkHEHnSp2PBPOuXVP_QlAhqNi9H2TxUw7-FlnNFOomPfgftxK18cFiOuy7IiHErrMV-7bMqez29gYozgSXQK_J38dY7LEigVQYa1c-ZR5xcYeokfOQ3jpq-lOKT_IW1E4xtdoK-H/s640/ParallelEls-Expliquen-Guillermina-RexachLatraccio-Guardiola_423567665_15740595_1515x2199.jpg" width="440" /></a></div>
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Lola Flores y Manolo Caracol, se encontraron por primera vez
en la escena en el año 1943, cuando la jerezana contrata al “cantaor” para que
le dé la réplica en el espectáculo <i>“Zambra”</i> que obtuvo un éxito apoteósico y
los situó a ambos a la cabeza del panorama teatral durante toda la década de
los 40. De este espectáculo salieron números tan célebres como “La Zarzamora” o
“La Sebastiana” además de los anteriormente citados. El público los adoraba acudiendo
enardecido a cada nuevo espectáculo. Para Lola supuso su despegue definitivo
como primera figura de la canción y el baile español y para Manolo la
consagración a nivel popular, ya que aun siendo un cantaor muy reconocido en su
tiempo, su especialización en el “cante grande” no le daría la proyección que
obtuvo a raíz de su participación en el mundo de la copla. El hecho de que
incluso una marca de anís fuese bautizada con su nombre, da idea de la
popularidad obtenida por la pareja en aquellos años.<o:p></o:p></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8fmPczF2IV2eZgEklS0jZkcuglraNO6I353Q5ZCpo6YMcjB891zK7z4rWneGrkuFY-h21ISNvu216wnl5ZEFiGgNFrtO_TpmSAyxcikWNsTfIzhYRUowM4vDBkcFnn-t4_V3oBfWMd4nh/s1600/anis-flores-caracol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8fmPczF2IV2eZgEklS0jZkcuglraNO6I353Q5ZCpo6YMcjB891zK7z4rWneGrkuFY-h21ISNvu216wnl5ZEFiGgNFrtO_TpmSAyxcikWNsTfIzhYRUowM4vDBkcFnn-t4_V3oBfWMd4nh/s400/anis-flores-caracol.jpg" width="400" /></a></div>
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<br /></div>
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La admiración artística trascendió al ámbito personal y
sostuvieron una relación amorosa al parecer sumamente tempestuosa. La
rumorología popular también se hizo eco de la vida íntima de dos seres tan
temperamentales. Se habló de peleas, borracheras, reconciliaciones y continúas
rupturas. Lo cierto es que la diferencia de edad existente entre ambos
artistas, unido al éxito cada vez más emergente de Lola, despertaba los celos
de Manolo llevando a la pareja a una situación cada vez más compleja.
Protagonizaron <i>“La niña de la Venta” (1951)</i> dirigida por Ramón Torrado, donde
su relación ya se encontraba bastante mermada y tras estrenar en teatro <i>“La
maravilla errante”</i> la pareja se separó definitivamente, con gran pesar popular.<o:p></o:p></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyXXwoZGSpeGJid5sVcj9uY1y6Fyuy70AWEFWVij3lE0cSSCnMI_d_l6dzEoPP34o7aHmpdFWjoAtvBeoW_L_yWsPt0bpxdjqh3GKp1RC3FsPVphXTf9myHCydbQ7iWYmRIo6MmNUb_UOj/s1600/embrujo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyXXwoZGSpeGJid5sVcj9uY1y6Fyuy70AWEFWVij3lE0cSSCnMI_d_l6dzEoPP34o7aHmpdFWjoAtvBeoW_L_yWsPt0bpxdjqh3GKp1RC3FsPVphXTf9myHCydbQ7iWYmRIo6MmNUb_UOj/s400/embrujo.jpg" width="400" /></a></div>
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Como si se tratase de un cuento premonitorio todo esto se hallaba
presente de algún modo en <i>“Embrujo”</i> que contaba la vida de dos artistas de
variedades flamencas que decidían
montar compañía propia obteniendo un gran éxito. Sin embargo Lola era contratada
para actuar en solitario por todas las capitales de Europa, abandonando al
“cantaor” que moría víctima del alcohol y la mala vida. Una Lola viejecita, de
increíble peluca blanca, relataba su historia a una nueva promesa del baile
frente a la tumba de Manolo, poniéndola sobre aviso de la esclavitud y miserias
de la profesión.</div>
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Un título interesante a revisar, que se ha visto
revalorizado con los años precisamente por su tinte surrealista y carácter experimental, que lo alejan de la
producción de la época, alzándose como uno de los filmes malditos tanto de
su director como de la historia del Cine Español.<o:p></o:p></div>
Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-23736839710959493242016-03-30T00:48:00.001+02:002016-04-08T05:45:54.707+02:00HISTORIAS DE CINE... LAS RUBIAS DE HITCHCOCK<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGQT13U57FVJ9EcpKaderfTvIGs_5mFg8CCf82K0BzF_3eo88ReGnHpA5aLWNTLt3BPQn4sAKZFKtCaT_XnLzKz_UJZCBrTKliVM_L0RBLQhv7u_-0VmmbLUABFl-VBCfGah5aVZpIpHWs/s1600/rubias-alfred-hitchcock-L-ojghUj.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGQT13U57FVJ9EcpKaderfTvIGs_5mFg8CCf82K0BzF_3eo88ReGnHpA5aLWNTLt3BPQn4sAKZFKtCaT_XnLzKz_UJZCBrTKliVM_L0RBLQhv7u_-0VmmbLUABFl-VBCfGah5aVZpIpHWs/s400/rubias-alfred-hitchcock-L-ojghUj.jpg" width="400" /></a></div>
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Es de todos conocido que el mago del suspense fue uno de los más consagrados erotómanos del cine clásico, si bien es cierto que nunca le gustó lo burdo ni evidente, sino que opto siempre por un erotismo distante y refinado. El director británico recreó todas sus obsesiones y fetichismos, personificándolos en algunas de sus actrices favoritas, las célebres "rubias de Hitchcock". Estas se vieron envueltas en historias escabrosas y masoquistas como <i>"Los pájaros"(1963)</i>, llenas de traumas como<i> "Recuerda" (1945), "Atormentada" (1949)</i> o <i>"Marnie, la ladrona" (1964)</i>, o decididamente terroríficas como <i>"El enemigo de las rubias" (1927)</i> y su remake <i>"Frenesí"(1972)</i>, sin olvidar la famosa ducha de Janet Leigh en <i>"Psicosis" (1960)</i> su rubia más exuberante y carnal, con un destino inevitablemente fatal.<br />
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Aunque esta obsesión por las heroínas bellas, frías, continuamente amenazadas por si mismas y por el entorno ya está presente en la etapa inglesa, es en el periodo americano donde cobra un protagonismo absoluto. En los estudios de Hollywood se encuentra con la mayor cantera de actrices que el Star System americano podría ofrecer, sacando un extraordinario partido de sus estrellas y sobre todo creándolas a base de imponerlas en una serie de vehículos en los que materializar sus fantasías.<br />
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No podemos olvidar a la primera rubia destacable de su filmografía antes de la llegada del genio inglés a los estudios de California, la bellísima Madeleine Carroll de "39 escalones" (1935), una excelente trama de espías que la obliga a dormir esposada al protagonista Robert Donat en una de las habituales jugadas maestras de Hit a la censura, similar a la vivida por Eva Marie Saint (la rubia despierta y mordaz) y Cary Grant en <i>"Con la muerte en los talones" (1959)</i> donde a la escena en la que van a vivir su noche nupcial le sigue un plano del tren en el que viajan introduciéndose en un túnel, inevitable referencia al acto sexual que se esta desarrollando en el compartimento. Talento en estado puro...<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB4raKE4mYUeM5xLtPoGYucQ0bwF8Z72GapRGU55k0_natKBj4IZliKRzkcN3dmup8jgzzt8DXgI2G6jQGI-ysk9nN5_y5w23d2ZyfvIysk6nD7TjEO_OF6gdFmM-y3d4_ETNZsCCUwuz_/s1600/tumblr_lvi1uv43SR1r300uzo1_500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="222" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB4raKE4mYUeM5xLtPoGYucQ0bwF8Z72GapRGU55k0_natKBj4IZliKRzkcN3dmup8jgzzt8DXgI2G6jQGI-ysk9nN5_y5w23d2ZyfvIysk6nD7TjEO_OF6gdFmM-y3d4_ETNZsCCUwuz_/s400/tumblr_lvi1uv43SR1r300uzo1_500.jpg" width="400" /></a></div>
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Joan Fontaine fue la rubia asexual de <i>"Rebeca" (1940)</i> y <i>"Sospecha" (1941)</i> amenazada por la sombra demasiado larga de la anterior esposa muerta en extrañas circunstancias en la primera y víctima potencial de un esposo maniático en la segunda, un poco habitual Cary Grant del que nunca se llega a saber realmente si es un asesino o simplemente un encantador caradura que sirve vasos de leche con arsénico a su señora.<br />
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A Fontaine le siguió la fantástica Ingrid Bergman, rubia apasionada de títulos como <i>"Recuerda"(1945)</i>, una doctora experta en todo tipo de desajustes mentales que se enamora irremisiblemente de uno de sus pacientes con el rostro de Gregory Peck, <i>"Encadenados" (1946)</i> la ninfa con pasado dudoso que se marca unas inolvidables escenas de amor-odio con su salvador, Grant de nuevo, y está apunto de morir envenenada en un matrimonio de conveniencia con un nazi exiliado en Argentina, o la frágil protagonista de <i>"Atormentada" (1949)</i> una vez más una esposa amenazada por un marido macabro y una criada cómplice de sus manejos.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP8-T71CohKVvX0ctRXBVQWL9Qpd7jxzJVW8jDpQgx1kKMPozOstZq4EVsKYtUYXhA7dV9iL6g_8INKMeIIPMUaP0oH_BAzXlCpgkUzTVa1RN-Q7_pAzBoq-O2kVQ63AEdY0G9oq383dfn/s1600/encadenados.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiP8-T71CohKVvX0ctRXBVQWL9Qpd7jxzJVW8jDpQgx1kKMPozOstZq4EVsKYtUYXhA7dV9iL6g_8INKMeIIPMUaP0oH_BAzXlCpgkUzTVa1RN-Q7_pAzBoq-O2kVQ63AEdY0G9oq383dfn/s400/encadenados.jpg" width="400" /></a></div>
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Grace Kelly fue la rubia sofisticada a punto de ser asesinada por un esposo sin escrúpulos en <i>"Crimen perfecto" (1954</i>), acompañante de un fotógrafo con tendencias de "voyeur", dicotomía del propio Hitchcock, en <i>"La ventana indiscreta" (1954)</i> y la encantadora y refinada heredera americana que regenera a Cary Grant de sus fechorías en <i>"Atrapa a un ladrón" (1956)</i>, donde una vez más los excelentes primeros planos dando protagonismo a las miradas y besos entre los protagonistas caldean la acción en un chispeante juego de intriga y pasión.<br />
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<i>"De entre los muertos" (Vértigo) (1958)</i> convirtió a Kim Novack en otro de los mitos eróticos de la pantalla, una rubia misteriosa y distante que juega continuamente a la mentira y el equivoco pagando un alto precio por ello. Una obra maestra cumbre e imprescindible en la filmografía del genio inglés.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPLfNjSb1F9uA0OyLLDPvtLK-n2gjib4GzQgY3Aa-G4FHeYy0Zai50ADR9VV-wf9KyDPK7yZmttCrfex3y5mZXvMbszZ7TvIl9TKuinE0_TqujjKehUvzGTnHEjre76JW4vQr8QRQAPtGK/s1600/kimnovak.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="322" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPLfNjSb1F9uA0OyLLDPvtLK-n2gjib4GzQgY3Aa-G4FHeYy0Zai50ADR9VV-wf9KyDPK7yZmttCrfex3y5mZXvMbszZ7TvIl9TKuinE0_TqujjKehUvzGTnHEjre76JW4vQr8QRQAPtGK/s400/kimnovak.jpg" width="400" /></a></div>
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Con Grace el cine de Hitchcock se vio tocado por un halo de elegante y sofisticado, una frialdad a punto de derretirse que sirvió de manera singular a los propósitos del director. Ante la imposibilidad de contar con ella para sus proyectos futuros, dado que ésta ya se había convertido en princesa de Mónaco, Hit recreó su personalidad en la modelo Tippi Hedren, la rubia amenazada por miles de aves enardecidas en <i>"Los pájaros" (1963)</i> y la cleptómana <i>"Marnie, la ladrona" (1964)</i>, una seductora acomplejada por su frigidez producto de un macabro trauma de la infancia, asistida por un viril Sean Connery antes de vestir el uniforme de James Bond y convertirse en el agente secreto más famoso de la historia del Cine.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIzqySMeWJFJSKAkbq-kePkj1zl93IkMZIxpwTf9sTUecdW3Oq0YkglLGcLOt7CWcf-b-ro9ikGQ1YVMS942z7ICqEqIoJUjAx4i8As4seAnq-aBOTaC6xVyQrO-iPcN-X2VT22Z-K66E8/s1600/22465.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIzqySMeWJFJSKAkbq-kePkj1zl93IkMZIxpwTf9sTUecdW3Oq0YkglLGcLOt7CWcf-b-ro9ikGQ1YVMS942z7ICqEqIoJUjAx4i8As4seAnq-aBOTaC6xVyQrO-iPcN-X2VT22Z-K66E8/s400/22465.jpg" width="400" /></a></div>
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Son algunas de las rubias Hitchcocknianas que permanecen para siempre en la retina cinéfila, muñecas al servicio de la imaginación desbordada y retorcida de uno de los talentos más grandes que ha dado el séptimo arte. Un narrador único, creador delirante y sarcástico, ávido de superarse a si mismo en cada película, genio irrepetible que se divierte reflejando sus fantasmas al mundo a través de una gran ventana siempre indiscreta...Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-45265581017860534812016-03-04T00:17:00.000+01:002016-03-04T08:28:11.322+01:00MIS ESTRELLAS FAVORITAS... CARMEN MIRANDA, LA REINA DEL DELIRIO..<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkdUEcHCVihaue-X834cyNErM88xiOrisQZuFpsHCZtRhd4qRHDiJoe1sLJVesGvtGWAfx7odgztsu1boY5kWFxYKjmpQ_y_9UY74dQzEQqw6j_vZYn1iDmFtGJkXSq19aZQO6_tgsWf06/s1600/carmen-miranda-por-jose-luiz-benicio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkdUEcHCVihaue-X834cyNErM88xiOrisQZuFpsHCZtRhd4qRHDiJoe1sLJVesGvtGWAfx7odgztsu1boY5kWFxYKjmpQ_y_9UY74dQzEQqw6j_vZYn1iDmFtGJkXSq19aZQO6_tgsWf06/s640/carmen-miranda-por-jose-luiz-benicio.jpg" width="426" /></a></div>
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Nunca fue nada similar a una actriz ni una cantante al uso y sin embargo en ambas facetas creó un apartado único en la historia del Cine, imitado hasta la saciedad durante los años 40 del siglo XX. Su figura exótica y excesiva fue uno de los reclamos del filme de Disney <i>"Los tres caballeros" (1944)</i> en la persona de Aurora Miranda, una cantante brasileña lanzada al amparo de la fama de su compatriota, el conejo Bugs Bunny en uno de sus habituales números de travestismo aparecía caracterizado como ella en algunos de sus episodios animados, incluso el mismísimo Mickey Ronney imitó con su histrionismo habitual a la artista en el filme <i>"Hijos de la farándula" (1941).</i><br />
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Carmen en realidad fue una Show Woman delirante, irresistiblemente camp, transgresora y de enorme personalidad, que logró con sus extravagantes tocados e imposibles trabalenguas teñir de luz y alegría las pantallas que iluminaban un mundo en guerra. Cuando Hollywood vio cerrado el mercado europeo a consecuencia de la segunda guerra mundial, volvió los ojos a la vecina Sudamérica como salida económica, de este modo esta simpática portuguesa de pequeña estatura vio la oportunidad de pasar de los clubs nocturnos donde actuaba a contonearse vestida de oropeles y lamés, sobre enormes plataformas en la gran pantalla. La película que la dio a conocer al público estadounidense fue <i>"Serenata Argentina" (1940)</i>, un musical protagonizado por dos de las estrellas de la Fox, Betty Grable, la chica Pin Up por excelencia, y Don Ameche, sin embargo Carmen fue la revelación del filme, causando sensación entre el público.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMUdbjjdEy8DFnHXg8D11enfuGf0NAtlHjB4AzF_d95nQ7qqcwLM25sH3X4YVQFq8odCe-wa207NGEgIjJ9XOFoa__tipR90wqvxG54IW_qvXA0yhqhp0G8C3yv13nTP2YKJeN4h-iIdI-/s1600/carmen-miranda-resize-2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMUdbjjdEy8DFnHXg8D11enfuGf0NAtlHjB4AzF_d95nQ7qqcwLM25sH3X4YVQFq8odCe-wa207NGEgIjJ9XOFoa__tipR90wqvxG54IW_qvXA0yhqhp0G8C3yv13nTP2YKJeN4h-iIdI-/s400/carmen-miranda-resize-2.jpg" width="376" /></a></div>
<br />
A partir de ahí llegaron una serie de entretenidos musicales arrevistados ambientados en los más exóticos lugares del Continente, donde invariablemente representaba el personaje de brasileña (baiana) temperamental, celosa y apasionada en contrapunto cómico a la parte romántica de la historia interpretada por las norteamericanas Alice Face o Betty Grable, que le hicieron ganar el sobrenombre de <i>"La Bomba Brasileña"</i>, nacionalidad a la que siempre se le asoció aunque realmente había nacido en la localidad portuguesa de <i>Marco de Canaveses</i>.<br />
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Sus títulos de aquella época hablan por si solos... <i>"A la habana me voy" (1941), "Aquella noche en Río" (1941), "Secretaria brasileña" (1942), "Cara de muñeca" (1946)</i>. Se trataba de modestas producciones recargadas de colorido y música cuyo objetivo era el de levantar la moral de las tropas y la retaguardia con historias sencillas sin mayor pretensión que la de entretener. Aunque algunos números resultaron realmente brillantes, como el célebre "<em>The Lady in</em> the Tutti-Frutti Hat" del filme <i>"Algo para los muchachos" (1944)</i>, donde el talento coreográfico de Busby Berkeley y el desparpajo de Carmen jugaron una soberbia jugada a la censura en un número de claras referencias eróticas, donde las coristas sostenían enormes bananas a modo de falo mientras ella se contoneaba divertida alrededor de las mismas.<br />
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Una vez terminada la guerra y cubiertas las necesidades de evasión, los risueños musicales de la Fox y la figura de Carmen Miranda perdieron interés en favor de historias más adultas y oscuras, con lo que poco a poco su fama fue decayendo, viéndose atrapada dentro el cliché que ella misma había creado y le impedía evolucionar hacia otro tipo de personajes de mayor calado. Aún así mantuvo su simpatía y estilo característicos en algunos títulos irrelevantes en distintos estudios, la escena y la televisión durante unos años.<br />
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Falleció prematuramente de una ataque cardíaco en 1955, a los 46 años de edad, tras una actuación en el programa <i>The Jimmy Durante Show</i>, al parecer se sintió indispuesta, terminó, sonrió al público y murió a la mañana siguiente, manteniendo hasta el final la imagen alegre y risueña que la acompañó a lo largo de toda su carrera. Hoy día sigue siendo hoy día una figura mítica del espectáculo latino, especialmente en Brasil, donde cuenta con un museo dedicado a su Leyenda. Su memoriabilia ha sido sostenida principalmente gracias a los transformistas y travestís de todo el Mundo quienes tuvieron un espacio en sus espectáculos siempre para el recuerdo de esta increíble mujer, mezcla de árbol de navidad y temperamento desbordado, cuya incombustible energía y descarada sonrisa sigue danzando al compás de una pegadiza samba en una pantalla cubierta de cielos pintados y palmeras de papel.Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6225614396252311863.post-20177822270318822822016-02-24T01:01:00.003+01:002016-02-24T01:01:40.401+01:00FILMOGRAFÍA CLÁSICA... "ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS" (1951) CLYDE GEROMINI, WILFRED JACKSON Y HAMILTON LUSKE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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Al igual que ocurre con otros cuentos clásicos como <i>"Peter Pan" (1953)</i> o <i>"Mary Poppins" (1964)</i>, <i>"Alicia en el País de las Maravillas" (1951)</i> fue un proyecto largamente acariciado por Walt Disney, quién ansiaba llevarlo a la pantalla incluso antes de su primer largometraje animado <i>"Blancanieves y los siete enanitos" (1937). </i><br />
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El relato había causado una gran impresión en "el mago de la animación" desde su infancia. Ya en los años veinte los estudios Disney tenían un proyecto para llevar a cabo un filme con la célebre Mary Pickford, la niña prodigio del cine mudo en el papel de Alicia, en el cual se mezclarían dibujos e imagen real que llevaría por título "Alice in Cartooland". Incluso en 1936 rodaron un cortometraje en color protagonizado por el personaje estrella de los estudios titulado "<i>Mickey Mouse: A través del espejo"</i>. En esta pequeña joya de la animación el ratón Mickey vivía una delirante fantasía musical en la que ya estaban presentes muchos de los personajes y situaciones del largometraje clásico, como el ejército de cartas, la escena en la que el protagonista encoje al comer una nuez, o la animación de multitud objetos cotidianos dotados de personalidad humana, especialidad en la que los estudios Disney siempre fueron tremendamente imaginativos hasta nuestros días.<br />
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El éxito obtenido el año anterior con <i>"La Cenicienta" (1950)</i> permitió a Disney retomar el proyecto mezclando las novelas "Alicia en el País de las Maravillas" y "Alicia a través del espejo", en una apuesta personal arriesgada que puso en una situación delicada a los estudios, ya que el subrrealismo de las historias de Lewis Carrol era demasiado delirante para un público infantil y la película supuso un pequeño descalabro financiero. El público asiduo a las películas de animación clásicas de la productora no entendió muy bien el filme y la crítica le reprochó la multitud de licencias que se habían permitido a la hora de adaptar la narración a la pantalla.<br />
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Fue un título mal entendido en su momento y la acogida resulto bastante tibia, sin embargo las revisiones posteriores le han colocado en un lugar de privilegio dentro del Universo mágico de su autor. Aunque para muchos es la menos Disney de entre los títulos de su productora, en cuanto a línea argumental, personalidad e iconografía, lo cierto es que en esto reside gran parte de su encanto. La historia original tiene elementos y situaciones demasiado complejos de adaptar con fidelidad para un público familiar, de hecho la práctica totalidad de filmes que versionan el tema han fracasado de un modo u otro a la hora de plasmar el espíritu alucinado de la novela de Carrol, a pesar de que el libro contiene una imaginería absolutamente irresistible.<br />
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"Alicia en el País de las Maravillas" costó en torno a cinco millones de dólares de la época y perdió bastante dinero, de hecho no volvió a ser reestrenada en Cines estando Walt Disney vivo. La depreciación de la cinta en su momento hizo que fuese el primer largometraje animado de la compañía que pasó a emitirse por televisión. Sin embargo arropada por la modernidad y psicodelia de finales de los años 60 y el nacimiento del espíritu Pop, la película vivió una revalorización junto a otros títulos malditos de la productora como<i> "Los tres caballeros" (1946) y "Fantasía" (1942), </i>filmes absolutamente revolucionarios en su momento. Hoy día, sin ser una de las obras cumbre del estudio, ha sido reconocido como una de sus películas más interesantes, repleta de hallazgos visuales y un intento de hacer algo distinto por parte de un genio que nunca dejó de crear e intentar buscar diferentes líneas de expresión en el lenguaje animado. El impulsor sin duda alguna de un Universo que elevó los largometrajes de animación a la altura artística de los filmes de imagen real, instaurando un nuevo género cinematográfico.<br />
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<br />Respirando cinehttp://www.blogger.com/profile/05646826033751293783noreply@blogger.com0